Sojourner Truth (born Isabella ("Bell") Baumfree; C. 1797– November 26, 1883) was an African-American abolitionist and women’s rights activist. Truth was born into slavery in Swartekill, Ulster County, New York, but escaped with her infant daughter to freedom in 1826. After going to court to recover her son, in 1828 she became the first black woman to win such a case against a white man. She gave herself the name Sojourner Truth in 1843 after she became convinced that God had called her to leave the city and go into the countryside “testifying the hope that was in her.” Her best-known speech was delivered extemporaneously, in 1851, at the Ohio Women’s Rights Convention in Akron, Ohio. The speech became widely known during the Civil War by the title “Ain’t I a Woman?,” a variation of the original speech re-written by someone else using a stereotypical Southern dialect; whereas Sojourner Truth was from New York and grew up speaking Dutch as her first language. During the Civil War, Truth helped recruit black troops for the Union Army; after the war, she tried unsuccessfully to secure land grants from the federal government for former slaves. In 2014, Truth was included in Smithsonian magazine’s list of the "100 Most Significant Americans of All Time". Early years Truth was one of the ten or twelve children born to James and Elizabeth Baumfree (or Bomefree). Colonel Hardenbergh bought James and Elizabeth Baumfree from slave traders and kept their family at his estate in a big hilly area called by the Dutch name Swartekill (just north of present-day Rifton), in the town of Esopus, New York, 95 miles (153 km) north of New York City. Charles Hardenbergh inherited his father’s estate and continued to enslave people as a part of that estate’s property. When Charles Hardenbergh died in 1806, nine-year-old Truth (known as Belle), was sold at an auction with a flock of sheep for $100 to John Neely, near Kingston, New York. Until that time, Truth spoke only Dutch. She later described Neely as cruel and harsh, relating how he beat her daily and once even with a bundle of rods. Neely sold her in 1808, for $105, to Martinus Schryver of Port Ewen, a tavern keeper, who owned her for eighteen months. Schryver sold her in 1810 to John Dumont of West Park, New York. Although this fourth owner was kindly disposed toward her, considerable tension existed between Truth and Dumont’s second wife, Elizabeth Waring Dumont, who harassed her and made her life more difficult. (John Dumont’s first wife, Sarah “Sally” Waring Dumont (Elizabeth’s sister), died around 1805, five years before he bought Truth.) Around 1815, Truth met and fell in love with a slave named Robert from a neighboring farm. Robert’s owner (Charles Catton, Jr., a landscape painter) forbade their relationship; he did not want the people he enslaved to have children with people he was not enslaving, because he would not own the children. One day Robert sneaked over to see Truth. When Catton and his son found him, they savagely beat Robert until Dumont finally intervened, and Truth never saw Robert again. He later died some years later, perhaps as a result of the injuries, and the experience haunted Truth throughout her life. Truth eventually married an older slave named Thomas. She bore five children: James, her firstborn, who died in childhood, Diana (1815), fathered by either Robert or John Dumont, and Peter (1821), Elizabeth (1825), and Sophia (ca. 1826), all born after she and Thomas united. Freedom The state of New York began, in 1799, to legislate the abolition of slavery, although the process of emancipating those people enslaved in New York was not complete until July 4, 1827. Dumont had promised to grant Truth her freedom a year before the state emancipation, “if she would do well and be faithful.” However, he changed his mind, claiming a hand injury had made her less productive. She was infuriated but continued working, spinning 100 pounds of wool, to satisfy her sense of obligation to him. Late in 1826, Truth escaped to freedom with her infant daughter, Sophia. She had to leave her other children behind because they were not legally freed in the emancipation order until they had served as bound servants into their twenties. She later said “I did not run off, for I thought that wicked, but I walked off, believing that to be all right.” She found her way to the home of Isaac and Maria Van Wagenen in New Paltz, who took her and her baby in. Isaac offered to buy her services for the remainder of the year (until the state’s emancipation took effect), which Dumont accepted for $20. She lived there until the New York State Emancipation Act was approved a year later. Truth learned that her son Peter, then five years old, had been sold illegally by Dumont to an owner in Alabama. With the help of the Van Wagenens, she took the issue to court and in 1828, after months of legal proceedings, she got back her son, who had been abused by those who were enslaving him. Truth became one of the first black women to go to court against a white man and win the case. Truth had a life-changing religious experience during her stay with the Van Wagenens, and became a devout Christian. In 1829 she moved with her son Peter to New York City, where she worked as a housekeeper for Elijah Pierson, a Christian Evangelist. While in New York, she befriended Mary Simpson, a grocer on John Street who claimed she had once been enslaved by George Washington. They shared an interest in charity for the poor and became intimate friends. In 1832, she met Robert Matthews, also known as Prophet Matthias, and went to work for him as a housekeeper at the Matthias Kingdom communal colony. Elijah Pierson died, and Robert Matthews and Truth were accused of stealing from and poisoning him. Both were acquitted of the murder, though Matthews was convicted of lesser crimes, served time, and moved west. In 1839, Truth’s son Peter took a job on a whaling ship called the Zone of Nantucket. From 1840 to 1841, she received three letters from him, though in his third letter he told her he had sent five. Peter said he also never received any of her letters. When the ship returned to port in 1842, Peter was not on board and Truth never heard from him again. “The Spirit Calls Me” 1843 was a turning point for Truth. She became a Methodist, and on June 1, she changed her name to Sojourner Truth. She told friends: “The Spirit calls me, and I must go” and left to make her way traveling and preaching about the abolition of slavery. At that time, Truth began attending Millerite Adventist campmeetings. However, that did not last since Jesus failed to appear in 1843 and then again in 1844. Like many others disappointed, Truth distanced herself from her Millerite friends for a while. In 1844, she joined the Northampton Association of Education and Industry in Northampton, Massachusetts. Founded by abolitionists, the organization supported women’s rights and religious tolerance as well as pacifism. There were, in its four-and-a-half year history, a total of 240 members, though no more than 120 at any one time. They lived on 470 acres (1.9 km2), raising livestock, running a sawmill, a gristmill, and a silk factory. While there, Truth met William Lloyd Garrison, Frederick Douglass, and David Ruggles. In 1846, the group disbanded, unable to support itself. In 1845, she joined the household of George Benson, the brother-in-law of William Lloyd Garrison. In 1849, she visited John Dumont before he moved west. Truth started dictating her memoirs to her friend Olive Gilbert, and in 1850 William Lloyd Garrison privately published her book, The Narrative of Sojourner Truth: A Northern Slave. That same year, she purchased a home in what would become the village of Florence in Northampton for $300, and spoke at the first National Women’s Rights Convention in Worcester, Massachusetts. In 1854, with proceeds from sales of the Narrative and cartes-de-visite entitled “I sell the shadow to support the substance,” she paid off the mortgage held by her friend from the Community, Samuel L. Hill. “Ain’t I a Woman?” In 1851, Truth joined George Thompson, an abolitionist and speaker, on a lecture tour through central and western New York State. In May, she attended the Ohio Women’s Rights Convention in Akron, Ohio, where she delivered her famous extemporaneous speech on women’s rights, later known as “Ain’t I a Woman.” Her speech demanded equal human rights for all women as well as for all blacks. The convention was organized by Hannah Tracy and Frances Dana Barker Gage, who both were present when Truth spoke. Different versions of Truth’s words have been recorded, with the first one published a month later by Marius Robinson, a newspaper owner and editor who was in the audience. Robinson’s recounting of the speech included no instance of the question “Ain’t I a Woman?” Twelve years later in May 1863, Gage published another, very different, version. In it, Truth’s speech pattern had characteristics of Southern slaves, and the speech included sentences and phrases that Robinson didn’t report. Gage’s version of the speech became the historic standard version, and is known as “Ain’t I a Woman?” because that question was repeated four times. It is highly unlikely that Truth’s own speech pattern was Southern in nature, as she was born and raised in New York, and she spoke only Dutch until she was nine years old. In contrast to Robinson’s report, Gage’s 1863 version included Truth saying her 13 children were sold away from her into slavery. Truth is widely believed to have had five children, with one sold away, and was never known to boast more children. Gage’s 1863 recollection of the convention conflicts with her own report directly after the convention: Gage wrote in 1851 that Akron in general and the press in particular were largely friendly to the woman’s rights convention, but in 1863 she wrote that the convention leaders were fearful of the “mobbish” opponents. Other eyewitness reports of Truth’s speech told a calm story, one where all faces were “beaming with joyous gladness” at the session where Truth spoke; that not “one discordant note” interrupted the harmony of the proceedings. In contemporary reports, Truth was warmly received by the convention-goers, the majority of whom were long-standing abolitionists, friendly to progressive ideas of race and civil rights. In Gage’s 1863 version, Truth was met with hisses, with voices calling to prevent her from speaking. Over the next 10 years, Truth spoke before dozens, perhaps hundreds, of audiences. From 1851 to 1853, Truth worked with Marius Robinson, the editor of the Ohio Anti-Slavery Bugle, and traveled around that state speaking. In 1853, she spoke at a suffragist “mob convention” at the Broadway Tabernacle in New York City; that year she also met Harriet Beecher Stowe. In 1856, she traveled to Battle Creek, Michigan, to speak to a group called the “Friends of Human Progress.” In 1858, someone interrupted a speech and accused her of being a man; Truth opened her blouse and revealed her breasts. Other notable speeches Northampton Camp Meeting—1844, Northampton, Massachusetts: At a camp meeting where she was participating as an itinerant preacher, a band of “wild young men” disrupted the camp meeting, refused to leave, and threatening to burn down the tents. Truth caught the sense of fear pervading the worshipers and hid behind a trunk in her tent, thinking that since she was the only black person present, the mob would attack her first. However, she reasoned with herself and resolved to do something: as the noise of the mob increased and a female preacher was “trembling on the preachers’ stand,” Truth went to a small hill and began to sing “in her most fervid manner, with all the strength of her most powerful voice, the hymn on the resurrection of Christ." Her song, “It was Early in the Morning,” gathered the rioters to her and quieted them. They urged her to sing, preach, and pray for their entertainment. After singing songs and preaching for about an hour, Truth bargained with them to leave after one final song. The mob agreed and left the camp meeting. Abolitionist Convention—1840s, Boston, Massachusetts: William Lloyd Garrison invited Sojourner Truth to give a speech at an annual antislavery convention. Wendell Phillips was supposed to speak after her, which made her nervous since he was known as such a good orator. So Truth sang a song, “I am Pleading for My people,” which was her own original composition sung to the tune of Auld Lang Syne. Mob Convention—September 7, 1853: At the convention, young men greeted her with "a perfect storm,” hissing and groaning. In response, Truth said, “You may hiss as much as you please, but women will get their rights anyway. You can’t stop us, neither”. Sojourner, like other public speakers, often adapted her speeches to how the audience was responding to her. In her speech, Sojourner speaks out for women’s rights. She incorporates religious references in her speech, particularly the story of Esther. She then goes on to say that, just as women in scripture, women today are fighting for their rights. Moreover, Sojourner scolds the crowd for all their hissing and rude behavior, reminding them that God says to “Honor thy father and thy mother.” American Equal Rights Association—May 9–10, 1867: Her speech was addressed to the American Equal Rights Association, and divided into three sessions. Sojourner was received with loud cheers instead of hisses, now that she had a better-formed reputation established. The Call had advertised her name as one of the main convention speakers. For the first part of her speech, she spoke mainly about the rights of black women. Sojourner argued that because the push for equal rights had led to black men winning new rights, now was the best time to give black women the rights they deserve too. Throughout her speech she kept stressing that “we should keep things going while things are stirring” and fears that once the fight for colored rights settles down, it would take a long time to warm people back up to the idea of colored women’s having equal rights. In the second sessions of Sojourner’s speech, she utilized a story from the Bible to help strengthen her argument for equal rights for women. She ended her argument by accusing men of being self-centered, saying, “man is so selfish that he has got women’s rights and his own too, and yet he won’t give women their rights. He keeps them all to himself.” For the final session of Sojourner’s speech, the center of her attention was mainly on women’s right to vote. Sojourner told her audience that she owned her own house, as did other women, and must therefore pay taxes. Nevertheless, they were still unable to vote because they were women. Black women who were enslaved were made to do hard manual work, such as building roads. Sojourner argues that if these women were able to perform such tasks, then they should be allowed to vote because surely voting is easier than building roads. Eighth Anniversary of Negro Freedom—New Year’s Day, 1871: On this occasion the Boston papers related that “...seldom is there an occasion of more attraction or greater general interest. Every available space of sitting and standing room was crowded". She starts off her speech by giving a little background about her own life. Sojourner recounts how her mother told her to pray to God that she may have good masters and mistresses. She goes on to retell how her masters were not good to her, about how she was whipped for not understanding English, and how she would question God why he had not made her masters be good to her. Sojourner admits to the audience that she had once hated white people, but she says once she met her final master, Jesus, she was filled with love for everyone. Once enslaved folks were emancipated, she tells the crowd she knew her prayers had been answered. That last part of Sojourner’s speech brings in her main focus. Some freed enslaved people were living on government aid at that time, paid for by taxpayers. Sojourner announces that this is not any better for those colored people than it is for the members of her audience. She then proposes that black people are given their own land. Because a portion of the South’s population contained rebels that were unhappy with the abolishment of slavery, that region of the United States was not well suited for colored people. She goes on to suggest that colored people be given land out west to build homes and prosper on. On a mission In 1856, Truth bought a neighboring lot in Northampton, but she did not keep the new property for long. On September 3, 1857, she sold all her possessions, new and old, to Daniel Ives and moved to Battle Creek, Michigan, where she rejoined former members of the Millerite Movement who had formed the Seventh-day Adventist Church. Antislavery movements had begun early in Michigan and Ohio. Here, she also joined the nucleus of the Michigan abolitionists, the Progressive Friends, some who she had already met at national conventions. According to the 1860 census, her household in Harmonia included her daughter, Elizabeth Banks (age 35), and her grandsons James Caldwell (misspelled as “Colvin”; age 16) and Sammy Banks (age 8). During the Civil War, Truth helped recruit black troops for the Union Army. Her grandson, James Caldwell, enlisted in the 54th Massachusetts Regiment. In 1864, Truth was employed by the National Freedman’s Relief Association in Washington, D.C., where she worked diligently to improve conditions for African-Americans. In October of that year, she met President Abraham Lincoln. In 1865, while working at the Freedman’s Hospital in Washington, Truth rode in the streetcars to help force their desegregation. Truth is credited with writing a song, “The Valiant Soldiers”, for the 1st Michigan Colored Regiment; it was said to be composed during the war and sung by her in Detroit and Washington, D.C. It is sung to the tune of “John Brown’s Body” or “The Battle Hymn of the Republic”. Although Truth claimed to have written the words, it has been disputed (see “Marching Song of the First Arkansas”). In 1867, Truth moved from Harmonia to Battle Creek. In 1868, she traveled to western New York and visited with Amy Post, and continued traveling all over the East Coast. At a speaking engagement in Florence, Massachusetts, after she had just returned from a very tiring trip, when Truth was called upon to speak she stood up and said “Children, I have come here like the rest of you, to hear what I have to say.” In 1870, Truth tried to secure land grants from the federal government to former enslaved people, a project she pursued for seven years without success. While in Washington, D.C., she had a meeting with President Ulysses S. Grant in the White House. In 1872, she returned to Battle Creek and tried to vote in the presidential election, but was turned away at the polling place. Truth spoke about abolition, women’s rights, prison reform, and preached to the Michigan Legislature against capital punishment. Not everyone welcomed her preaching and lectures, but she had many friends and staunch support among many influential people at the time, including Amy Post, Parker Pillsbury, Frances Gage, Wendell Phillips, William Lloyd Garrison, Laura Smith Haviland, Lucretia Mott, Ellen G. White, and Susan B. Anthony.” Death and legacy Several days before Sojourner Truth died, a reporter came from the Grand Rapids Eagle to interview her. “Her face was drawn and emaciated and she was apparently suffering great pain. Her eyes were very bright and mind alert although it was difficult for her to talk.” Truth died at her Battle Creek home on November 26, 1883. On November 28 her funeral was held at the Congregational-Presbyterian Church officiated by its pastor, the Reverend Reed Stuart. Some of the prominent citizens of Battle Creek acted as pall-bearers. Truth was buried in the city’s Oak Hill Cemetery. The calendar of saints of the Episcopal Church remembers Sojourner Truth annually, together with Elizabeth Cady Stanton, Amelia Bloomer and Harriet Ross Tubman on July 20. The calendar of saints of the Lutheran Church remembers Sojourner Truth together with Harriet Tubman on March 10. A larger-than-life sculpture of Sojourner Truth by artist Tina Allen, was dedicated in 1999, which is the estimated bicentennial of Sojourner’s birth. The 12-foot tall Sojourner monument is cast bronze. Cultural references and commemorations Other honors and commemorations include (by year): 1862– William Wetmore Story’s statue, The Libyan Sibyl, inspired by Sojourner Truth, won an award at the London World Exhibition. 1892– Albion artist Frank Courter is commissioned to paint the meeting between Truth and President Abraham Lincoln. 1969– The leftist group the Sojourner Truth Organization is named after her. The group folded in 1985. 1971– Sojourner Truth Library at New Paltz State University of New York is named in Truth’s honor. 1976– Interstate 194 is named for her in Michigan. 1979– The artwork The Dinner Party features a place setting for Truth. 1980– The Inter Cooperative Council at the University of Michigan and the residents of the then Lenny Bruce House rename it as Sojourner Truth House in her honor. 1981– Truth is inducted into the National Women’s Hall of Fame in Seneca Falls, New York. 1981– Feminist theorist and author bell hooks titles her first major work after Truth’s “Ain’t I a Woman?” speech. 1983– Truth is in the first group of women inducted into the Michigan Women’s Hall of Fame in Lansing. 1986– The U.S. Postal Service issues a commemorative postage stamp honoring Sojourner Truth. 1987– Truth is commemorated in a monument of “Michigan Legal Milestones” erected by the State Bar of Michigan. 1997– The NASA Mars Pathfinder mission’s robotic rover is named “Sojourner” after her. 1998– S.T. Writes Home appears on the web offering “Letters to Mom from Sojourner Truth,” in which the Mars Pathfinder Rover at times echoes its namesake. 1999– A 12-foot-high monument is built to honor her in Battle Creek, Michigan. 1999– The Broadway musical The Civil War includes an abridged version of Truth’s “Ain’t I a Woman?” speech as a spoken-word segment. On the 1999 cast recording, the track was performed by Maya Angelou. 2002– Scholar Molefi Kete Asante lists Sojourner Truth on his list of 100 Greatest African Americans. 2002– A statue was installed in Florence Massachusetts to honor Sojourner Truth in a small park located on Pine Street and Park Street, on which she lived for ten years. 2004– The King’s College, located inside the Empire State Building in New York City, names one of their houses “The House of Sojourner Truth”. 2009– Truth becomes the first black woman honored with a bust in the U.S. Capitol. The bust was sculpted by noted artist Artis Lane. It is in Emancipation Hall of the Capitol Visitor Center. v2014– Truth was included in the Smithsonian Institution’s list of the "100 Most Significant Americans". 2014– Asteroid (249521) Truth is named in her honor. 2015– A statue of Sojourner Truth is unveiled at the University of California, San Diego. The statue resides in Marshall College. As of March 2015, K-12 schools in several states, including California, Minnesota, New Jersey, New York and Oregon, are named after her, as is Sojourner–Douglass College in Baltimore. Ten-dollar bill On April 20, 2016 Treasury Secretary Jacob Lew announced that several denominations of United States currency would be redesigned prior to 2020, the 100th anniversary of the 19th Amendment. The newly designed $10 bill will include images on the reverse which will pay homage to the women’s suffrage movement and feature the images of Truth, Lucretia Mott, Susan B. Anthony, Elizabeth Cady Stanton, Alice Paul, and the 1913 Woman Suffrage Procession.

La doctora Ángela M. Zaldívar fue una de las representantes de Camagüey en el Congreso Nacional de Mujeres de 1923, donde presentó la ponencia “Tribunales de mujeres para juzgar delitos cometidos por las de su sexo”, tema oficial de la delegación camagüeyana al cónclave.

Germán Bleiberg. Poeta perteneciente a la Generación del 36. Es autor de una Antología de Elogios de la Lengua Española (1941) y de una Antología de la Literatura Española. En 1938 recibe, compartido con Miguel Hernández, el Premio Nacional de Literatura, por su obra dramática en tres actos “La huida”, que se representó con gran éxito en el Teatro de Arte y Propaganda de Madrid. Nacido en Madrid en 1915. Cursó sus estudios de enseñanza media en un colegio alemán. Trayectoria profesional Obtuvo el título de Doctor en Filosofía y Letras por la Universidad de Madrid. En 1935 aparece en la Tertulia Poética de Manuel Altolaguirre y Concha Méndez su poema largo “El cantar de la noche”. Sus primeras obras se encuentran dentro de la línea clasicista y el regreso a las estrofas clásicas que se iniciara en los años previos a la guerra, motivo por el que suele incluirse a este autor en el grupo o generación de 1936. En enero de 1936, la Revista de Occidente publica su Oración de la muerte. Participó en la Guerra Civil Española, defendiendo la legalidad republicana y estuvo encarcelado desde 1936 a 1943, coincidiendo con Miguel Hernández, con quien convivió en la cárcel durante cinco meses. Durante la guerra militó en el Partido Republicano, y tras su derrota, se exilió en los Estados Unidos donde se dedicó a la enseñanza de la literatura española y a la crítica literaria. Fue además profesor de estudios Hispánicos en Vassar College y en New York University. En 1936 se publica su primera colección de sonetos, a los que llamó, precisamente, “Sonetos amorosos”, de línea garcilasista y que pueden considerarse como su obra maestra, que dará nueva fuerza a corrientes poéticas posteriores. Muerte Germán Bleiberg falleció en Madrid el 31 de octubre de 1990. Su obra Entre sus obras cabe mencionar Árbol y farola (1934) y El cantar de la noche (1935), en donde se aúnan esteticismo y tonos íntimos. Su obra maestra sigue siendo Sonetos amorosos (1936). Con posterioridad a la Guerra Civil publicó, entre otros, Más allá de las ruinas (1947), donde las experiencias de la guerra y la cárcel, encuentran una expresión propia, de amplia frecuencia, de raigambre en cierto modo romántica. En La mutua primavera (1948) y El poeta ausente atiende al mundo del sueño, sin renunciar a la ternura estilística de los primeros momentos, Bleiberg pasa a una poesía existencial, abordando temas trascendentales y hasta se aventura de cuando en cuando por las zonas del surrealismo. Ha sido riguroso enjuiciador de su obra al publicar en 1975, una Selección de poemas (1936-1973), en la que se recogen muestras de sus otros libros. Su afición teatral, manifestada en su participación en el grupo La Barraca, con Federico García Lorca, se concretó en obras como “Sombra de Héroes” y “Amanecer”. Es autor de una “Antología de Elogios de la Lengua Española” (1941) y de una “Antología de la Literatura Española”. Premios recibidos En 1938 recibe, compartido con Miguel Hernández, el Premio Nacional de Literatura, por su obra dramática en tres actos “La huida”, obra dramática hoy perdida, que se representó con gran éxito en el Teatro de Arte y Propaganda de Madrid. Referencias ecured - http://www.ecured.cu/index.php/Germán_Bleiberg

Francisco de la Torre, (¿1534 - 1594?), poeta español de la segunda fase del Renacimiento, perteneciente a la Escuela de Salamanca, que no hay que confundir con el poeta homónimo de la primera mitad del XVI. Casi nada se sabe sobre su vida y sin duda es el poeta más misterioso del siglo XVI. Nada más que una suma de conjeturas extraídas de los débiles indicios que ofrecen sus versos es la biografía bosquejada por Aureliano Fernández-Guerra como discurso de entrada en la Real Academia de la Lengua en 1857. Según este autor, habría nacido en Torrelaguna hacia 1534, habría estudiado en Alcalá de Henares y seguido la carrera militar en Italia, para al final de su vida hacerse clérigo. Un manuscrito de sus poesías circulaba a principios del siglo XVII con una Aprobación de Alonso de Ercilla, que murió en 1594, y llamó la atención de Quevedo, quien lo compró y editó junto a las obras de fray Luis de León en 1631 para combatir con buenos ejemplos de poesía clásica los excesos del Culteranismo. Quevedo se preocupó de indagar sobre el autor del manuscrito, que el librero le vendió con desprecio, pero no pudo sacar nada en limpio; es más, en él estaba "en cinco partes borrado el nombre del autor con tanto cuidado, que se añadió humo a la tinta". Cuando en 1753 José Luis Velázquez reimprimió las obras de Francisco de la Torre en Madrid pensó que su autor era en realidad el propio Francisco de Quevedo, teoría que la crítica moderna rechaza con unanimidad desde Manuel José Quintana en el siglo XIX. Sus obras han sido editadas modernamente por Alonso Zamora Vicente en la colección Clásicos Castellanos, en 1944, y hay otras posteriores no menos notables. En un ensayo reciente, Antonio Alatorre insiste, sin aportar detalles biográficos nuevos, que "Francisco de la Torre nació a mediados del siglo XVI en Santa Fe de Bogotá, donde parece haber pasado toda su vida". Muy influido por el Petrarquismo, algunos de sus poemas son traducciones de escritores italianos, sobre todo Benedetto Varchi, y construye su cancionero en torno a una tal Filis, que al retorno del amante de Italia encuentra casado con otro. Por modelos tiene a Garcilaso y Horacio dentro de una cosmovisión inmersa por completo en el Neoplatonismo, pero le singulariza su finísima sensibilidad ante temas como la noche, la tórtola solitaria, el dolor por la ausencia de la amada, etcétera. En Francisco de la Torre la existencial melancolía garcilasiana se aquilata, depura y refina aún más todavía hasta llegar casi a lo prerromántico; al igual que el poeta toledano, su actitud es paganizante por extremo. La obra está dividida en tres libros: Libros primero y segundo de los versos líricos, donde destacan algunos sonetos de extremada perfección formal y emoción, como los dedicados A la noche y a temas pastoriles, y Libro tercero de los versos adónicos, así como ocho églogas reunidas bajo el título de Bucólica del Tajo. Sus Canciones gozan de justa fama, en especial A la tórtola y A la cierva herida. También hizo algunas aportaciones a la métrica española, como la llamada estrofa de La Torre o sáfico adónica, que fue seguramente el primero en cultivar. También escribió endechas en heptasílabo suelto y en hexasílabos: Endecha II El pastor más triste que ha seguido el cielo, dos fuentes sus ojos y un fuego su pecho. Endecha IV Veneno su pecho, yerba y áspid hecho, dentro de mi pecho, crudo amor, te siento. Referencias Wikipedia - http://es.wikipedia.org/wiki/Francisco_de_la_Torre

Salvatore Di Giacomo (Napoli, 12 marzo 1860 – Napoli, 5 aprile 1934) è stato un poeta, drammaturgo e saggista italiano. Fu autore di notissime poesie in dialetto napoletano (molte delle quali poi musicate) che costituiscono una parte importante della poesia e della musica partenopea e insieme campana. È molto apprezzato come novelliere nero. Di Giacomo nacque a Napoli il 12 marzo 1860, figlio primogenito di Francesco Saverio Di Giacomo, medico abruzzese, e Patrizia Buongiorno, il cui padre insegnava al conservatorio di San Pietro a Maiella. Dopo aver conseguito la licenza liceale presso il Vittorio Emanuele, frequentò per volere del padre la facoltà di Medicina. Di Giacomo non aveva alcun interesse per gli studi cui era stato indirizzato, tanto che nell'ottobre 1880 abbandonò l'università in seguito a un celebre episodio che egli stesso descrisse sei anni più tardi.

Jorge González Allué fue un destacado pianista, compositor y director de orquesta camagüeyano. Nació en Camagüey el 10 de febrero de 1910. Inició sus estudios musicales siendo un niño, en 1920 con una prima, María Josefa González Allué, y después continuó con la profesora Maria Larín Carmenates. En 1925 se graduó de piano, solfeo y teoría en el Conservatorio Nacional de Música de La Habana Hubert de Blanck. En 1931 ofreció su primer recital público, en el que estrenó Mulata y Negro bembón, con textos de Nicolás Guillén. Ejerció como profesor. En 1935 fundó su orquesta de tipo jazz band Yemayá, con la que debutó el 5 de octubre en el Teatro Principal (Camagüey). En 1936 viajó a Cali, Colombia donde trabajó de pianista de la orquesta de Florián Maya, integrada por músicos cubanos y colombianos, y en 1937 a Lima, Perú, con la orquesta de Don Vidal, con la que se presentó por la Cadena de Lima. En 1938, en el Teatro Auditorium de La Habana interpretó junto a once pianistas, La Malagueña de Ernesto Lecuona, y estuvo entre los veinticuatro que acompañaron a Esther Borja en Serenata. Su Amorosa guajira fue estrenada en Camagüey en 1937 por el cantante Luis Raga, con la Orquesta Yemayá, en le radioemisora CMJK, La Voz del Camagüeyano. En 1957, en La Habana, trabajó como pianista acompañante en el Café de los Artístas, programa de televisión de Gaspar Pumarejo y Otto Sirgo. En agosto de 1959 regresó a Camagüey, donde dirigió un combo que debutó en el Aeroclub de esa ciudad. Dirigió la comedia musical Las Yaguas, de Piloto y Vera, y Matrimonio perfecto, que también musicalizó, de Rómulo Loredo Alonso. Entre 1951 y 1956, fue profesor de la Universidad Enrique José Varona y de 1956 a 1957, de la Ignacio Agramonte, y maestro y director de la Academia Municipal de Música, después Conservatorio, donde en 1973 se jubiló. En este período se dedicó al estudió el folklore musical cubano y de otros países, e hizo algunos programas sobre esta materia. González Allúe falleció el 4 de noviembre del 2001 y fue sepultado en el cementerio local, mientras era entonada Amorosa guajira, la más conocida de sus 386 obras, uno de los aportes de 81 años vinculados a la música. Su obra sobrepasa las 300 composiciones, distribuidas en diferentes géneros que abordan tanto lo popular como la música de concierto y el teatro musical. Dentro de estas piezas tenemos muchas canciones, boleros, una comedia lírica y hasta una estampa. Dentro de las mismas se incluyen las siguientes: Afro * Mulata y Negro bembón, (1931) (Textos de Nicolás Guillén); * Hay que tené voluntá y Mi chiquita, (1933) (Textos de Nicolás Guillén); Boleros * Corazón mudo y La lágrima y el beso, (1927); * Si volviera a besarte, (1930); * Crucifixión, (1931); * Sabor de adiós sentí, (1933); * Siempre me fuiste fiel corazón mío y Tu tampoco,(1937); * Llega muy tarde amor y Poco a poco; Bolero Mambo * Amor para qué, * Dímelo así que tu sabes, Canción-bolero * Algo queda de amor, * Cartas marcadas, * Diferencia, * Me he quedado sin fe, * Mis horas sin sueño, * Por donde digas tú, * Quiero seguir soñando, * Sin amor y sin fe, * Tristeza por tu ausencia, * Una mentira más, * Una triste sombra solamente. Comedia musical * La leyenda del agua de tinajón (Libreto en verso). Estampa * Los 15 de Florita, (1950), estampa popularizada por Luis Carbonell. Guajira * Amorosa guajira (Guajira sentimental), (1937) Referencias EcuRed – https://www.ecured.cu/Jorge_González_Allué

Ramón Xirau Subías (Barcelona, 20 de enero de 1924) es un poeta y filósofo mexicano de origen catalán. Fue hijo único; sus padres fueron Joaquín Xirau Palau y Pilar Subías. Su lengua materna es el catalán. Sus primeros estudios los cursó en un colegio montessori en Barcelona, que la misma María Montessori visitaba ocasionalmente. Observa Ramón que "el mundo que conoció de niño, de bellos colores, de números precisos, exactos, y de geometrías perfectas" fue un terrible contraste con la Guerra Civil Española que después le tocaría vivir. En 1938, durante la guerra, sus padres permanecieron en Barcelona y a Ramón lo enviaron a vivir a Marsella, en donde estuvo alojado en una casa "con gran cantidad de libros y una ventana por donde podía ver el mar", mientras asistía al Liceo Périer. Aprendió muy bien el francés. Cumplió sus 15 años lejos de sus padres, en tiempos de guerra, preocupado de no saber de ellos más que muy de vez en cuando. En febrero de 1939, ya casi terminando la guerra, recibió de sus padres el mensaje de que habían logrado huir a Francia y le pedían que se reuniera con ellos en París, para abordar desde Cherburgo un barco que los llevaría a Nueva York y de ahí, en autobús a México. Ramón, de sólo 15 años, hizo el viaje en tren de Marsella a París. Después se enteraría que la huida de sus padres de España la habían efectuado "junto con Antonio Machado y su mamá, y otras personas, en una ambulancia que les fue proporcionada por José Puche Álvarez". Ramón llegó con sus padres a México en marzo de 1939, pocos meses antes de que en Europa los ejércitos nazis invadieran Polonia y con ello se iniciara oficialmente la Segunda Guerra Mundial. Se establecieron en un pequeño departamento de la Colonia San Rafael, por el cruce de las calles de Gómez Farías y de Sadi Carnot, desde donde frecuentemente caminarían juntos, su padre y él, a la Facultad de Filosofía y Letras, en el edificio de "Mascarones", en la esquina de Ribera de San Cosme y Naranjo. "Revelaré" --ha escrito Ramón-- , no creo que sea un secreto, lo que me hizo de veras mexicano. Vi a una persona, hablé con ella, le conté interminablemente historias temibles de la guerra vivida, de aquella guerra tal vez incivil; y me escuchaba. La conocí cuando ella hablaba con mi padre. Era Ana María Icaza, mi futura esposa. Mi padre me dijo que era pintora. Lo era. Pintaba muy bien". Ramón y Ana María se casaron en 1949. Tuvieron un hijo —Joaquín Xirau Icaza 2 (1950-1976)—, también poeta y escritor, que murió en Boston mientras estudiaba una maestría en la universidad de Harvard. En 2013, el Fondo Xirau Icaza instauró el Premio de Poesía Joaquín Xirau Icaza3 para ser administrado por El Colegio de México. El primero de estos premios le fue entregado el 20 de marzo de 2013 a Paula Abramo. Desde los años 1970s, los Xirau Icaza viven en una casa atestada de libros escritos en catalán, francés, inglés y español, en San Ángel, en la Ciudad de México. Estudios y labor académica En Francia, durante los años de la Guerra Civil Española, estudió en el Liceo Michel-Montaigne de París (1937-38) y en el Liceo Perier de Marsella (1938-39). Después, ya residiendo en México, estudió en el Liceo Franco Mexicano (1940-1941) y después en la Facultad de Filosofía y Letras (1942-1946), en el edificio de "Mascarones" que se encontraba en Santa María la Ribera, en donde su padre daba clases. Escribió su tesis sobre el método y la metafísica en Descartes y se tituló en 1946, apenas unos meses después de que su padre muriera en un trágico accidente. Obtuvo la nacionalidad mexicana en 1955. Obtuvo la maestría y más tarde el doctorado en filosofía, en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Ha sido profesor en el Liceo Franco Mexicano y en la Universidad de las Américas; más recientemente, es maestro en la Facultad de Filosofía y Letras e investigador del Instituto de Investigaciones Filosóficas, en la UNAM. Siguiendo la tradición establecida por su padre, le gusta recibir a un grupo íntimo de alumnos en su estudio, abarrotado de libros, en su casa de San Ángel. Es investigador emérito de la UNAM y miembro del Sistema Nacional de Investigadores. Es miembro de El Colegio Nacional desde el 5 de noviembre de 1973;5 y del Consejo Consultivo de Ciencias de la Presidencia de la República desde su fundación en 1994. Ramón también es miembro de la Academia Mexicana de la Lengua. Filosofía Xirau ha abordado diversos temas en su filosofía, como el significado del silencio, el sentido de la presencia y del tiempo vivido, la relación entre el mito y la poesía. Sin embargo, buena parte de su obra se dedica a explorar la relación de la filosofía y la poesía. La tesis central de Xirau en el campo de la filosofía de la poesía es la idea de que la poesía es una forma de conocimiento: «la poesía como conocimiento», es el lema de uno de sus libros más importantes, Poesía y conocimiento (1978). Xirau argumenta que la poesía constituye una forma privilegiada de conocimiento del mundo. La poesía nos da acceso a ciertos aspectos de la realidad, y en ocasiones nos puede llevar a trascenderla. Tanto la creación de poesía por parte del poeta, como su recreación por parte del lector formarían parte de un proceso de descubrimiento o de revelación del mundo, de un proceso de conocimiento de la realidad. Es a través de la combinación del lenguaje conceptual, imaginativo y emotivo de la poesía que ésta puede desvelar verdades. Algunos de sus ensayos críticos sobre poetas y poesía iberoamericanos han sido recogidos en Entre la poesía y el conocimiento (2001). Premios Reconocimientos Por su obra poética en catalán, así como por su labor ensayística y académica en francés, en inglés y en español, ha obtenido premios y distinciones relevantes como: * 1964: Caballero de las Artes y de las Letras otorgado por el gobierno de Francia. * 1965: Ordre national du Mérite otorgada por el gobierno de Francia. * 1975: Ordre des Palmes académiques otorgada por el gobierno de Francia. * 1979: Gran Cruz de la Orden de Isabel la Católica otorgada por el gobierno de España.8 * 1980: Premio Elías Sourasky otorgado por Funsalud. * 1988: Premio Internacional Alfonso Reyes, otorgado por la Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, el Instituto Nacional de Bellas Artes, la Sociedad Alfonsina Internacional, el gobierno del estado de Nuevo León, Siglo XXI Editores y Ediciones Castillo. * 1990: Legión de Honor por el gobierno de Francia. * 1990: Premio Mazatlán de Literatura con Antología. * 1993: Académico de número de la Academia Mexicana de la Lengua, elegido el 26 de agosto de * 1993, ocupa la silla XIII desde el 25 de octubre 1994. * 1995: Premio Nacional de Ciencias y Artes (México) otorgado por el gobierno federal de México. * 1997: Premio Cruz de San Jorge otorgado por la Generalidad de Cataluña. * 2006: Gran Cruz del Mérito Civil otorgada por el Rey de España. * 2009: Medalla de oro de Bellas Artes otorgada por el Instituto Nacional de Bellas Artes de México. * 2009: IX Premio Internacional Octavio Paz de Poesía y Ensayo, compartido con Ida Vitale. * 2010: Medalla de Alonso de la Veracruz, otorgada por la Asociación Filosófica de México en 2010. * 2013: Homenaje en el Senado de la República Honoris causa Le ha sido otorgado el doctorado honoris causa por: * Universidad de las Américas (México) * Universidad Autónoma de Barcelona (1984) * Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) (2010) Obras destacadas * 1947: Duración y existencia * 1953: Sentido de presencia * 1954: El péndulo y la espiral * 1964: Palabra y silencio * 1964: Mito y poesía * 1964: Introducción a la historia de la filosofía * 1968: The nature of man (en colaboración con Erich Fromm) * 1970: Ciudades * 1974: De ideas y no ideas * 1979: Poesía y conocimiento * 1980: Entre ídolos y dioses / Tres ensayos sobre Hegel * 1983: Ars Brevis, epígrafes y comentarios * 1985: El tiempo vivido * 1986: Cuatro filósofos y lo sagrado * 1995: Memorial de Mascarones y otros ensayos * 1997: Genio y figura de Sor Juana Inés de la Cruz Referencias Wikipedia - http://es.wikipedia.org/wiki/Ramón_Xirau

Luis Rius Azcoitia (Tarancón, provincia de Cuenca, 10 de noviembre de 1930 - México, 10 de enero de 1984), poeta y ensayista español. Su padre, Luis Rius Zunón, fue alcalde de Tarancón (1933), diputado provincial y presidente de la Diputación de Cuenca (1934), así como y gobernador civil de Soria y Jaén (1935-36). Militó en el Partido Radical Socialista de Marcelino Domingo. En octubre de 1936, como consecuencia de la guerra civil y después de un corto periodo en Jaén y Barcelona, es evacuado junto a su hermana Elisa y su madre a Normandía (Francia), donde permanece el resto de la contienda bélica, subsistiendo gracias al sueldo que tenía su padre como Tesorero de CAMPSA en París. En 1939 se trasladó a México con su familia, país que ya no abandonará nunca. Se doctoró en letras por la UNAM y fue profesor en la Universidad de Guanajuato, en la que dirigió la Escuela de Filosofía y Letras. Fundó varias revistas literarias: en 1948, junto a Tomás Segovia, Manuel Durán y otros la revista Presencia. Con Inocencio Burgos y otros, crea Clavileño. En estas revistas colaboraron también Enrique de Rivas, Pascual Buxó, Nuria Parés, etc. Colaboró como editor en la revista Segrel, y también en Cuadernos Americanos, Anuario de Letras (UNAM), Las Españas, Revista Mexicana de Cultura, México en la Cultura, El Heraldo Cultural, Novedades y Excelsior; se le considera uno de los poetas de la segunda generación del exilio republicano, llamada, más sintéticamente, "niños de la guerra" y formada, además de él, por Tomás Segovia, Nuria Parés, Manuel Durán, Carlos Blanco Aguinaga, Ramón Xirau, Enrique de Rivas, etcétera, todos ellos nacidos entre 1925 y 1937. Dio clases en la Universidad Nacional Autónoma de México, en la Universidad de San Luis de Potosí, en la Universidad Iberoamericana y en el México City College. Se casó en 1968 con Pilar Rioja, bailarina mexicana de flamenco, hija de padres españoles. En sus poemas dominan el conocimiento de los clásicos, el simbolismo y la contención, muy expresiva en los versos breves. También escribió numerosos ensayos sobre la poesía española del exilio y su gran biografía sobre León Felipe. Además del amor, su tema dominante es la identidad: ¿De qué tierra será?, ¿dónde su mar? -dicen-, ¿cuál es su sol, su aire, su río? Mi origen se hizo pronto algo sombrío y cuando a él vuelvo no lo vuelvo a hallar. Cada vez que me pongo a caminar hacia mí pierdo el rumbo, me desvío. No hay aire, río, mar, tierra, sol mío. Con lo que no soy yo voy siempre a dar. Si acaso alguna vez logré mi encuentro -fue camino el amor-, me hallé contigo piel a piel, sombra a sombra, dentro a dentro, el frágil y hondo espejo se rompió, y ya de mí no queda más testigo que ese otro extraño que también soy yo. OBRA Lírica * Canciones de vela, Segrl, 1951. * de ausencia, Universidad de Guanajuato, 1954. * de amor y sombra, Era, Alacena, 1965. * Canciones a Pilar Rioja, Finisterre, 1969. * Cuestión de amor y otros poemas, Promociones Editoriales Mexicanas, 1984. Antología compilada por él pocos meses antes de su muerte por cáncer. Ensayo * El mundo amoroso de Cervantes y sus personajes (1954). * Los grandes textos de la literatura española hasta 1700 (1966) * León Felipe, poeta de barro (Biografía), 1968. 2ª. edición, Promexa, 1986. Referencias Wikipedia-http://es.wikipedia.org/wiki/Luis_Rius Luis Rius. Poeta con el corazón dividido Por Montserrat Ramírez Castañón Escritor de fina sensibilidad, Luis Rius (1930-1984), pertenece a la segunda generación del exilio español que formó parte del mismo sentimiento nostálgico de la República perdida. Después de 27 años, el Fondo de Cultura Económica (FCE) reedita su libro Verso y prosa (Colección Tierra Firme) con un texto introductorio de Arturo Souto Alabarce, Arcelia Lara Covarrubias y Gonzalo Celorio. Luis Rius, considerado uno de los mejores poetas de los años cincuenta y sesenta era un hombre de brillante personalidad: abierto, buen amigo, excelente conversador y maestro, enamorado y, sobre todo, sensible; pero a la vez angustiado, solitario y melancólico en el fondo. Su poesía es una constante búsqueda de sí mismo, la extrañeza de su vida frente al exilio, a la mujer amada, al pasado nebuloso y, lo más conmovedor –parece paradójico, pero no lo es–, muestra la estupefacción ante un futuro que en lo profundo se le presenta como desarraigo impreciso, destierro perenne. Desterrado en el tiempo como en isla infinita, sin retorno. Exiliado en esta edad que avanza, que declina, que no cesa, que huye, río al mar, día a día. Olvidada en el mar me dejé yo la vida. Luis Rius Azcoitia nació en 1930 en Tarancón, Cuenca. Exiliado por herencia llegó a México con sus padres a los 8 años y formó parte de esa sociedad que enfrentó el destierro desde antes de la Guerra Civil Española (1936-1939). En su infancia y adolescencia se educó con la comunidad española del exilio, bajo el mismo sentimiento nostálgico de la República perdida y el desprecio al gobierno franquista, aunque él prefirió mantenerse alejado de la política, pues había contemplado la amarga experiencia de sus padres. Penetraron en el niño desterrado el ambiente y sentimiento de hispanidad; elementos coherentes con el enorme deseo de volver a la España de sus mayores; sin embargo, le estorbaron para el pleno desarrollo de su vida en México. Los hijos de los transterrados nacidos en España «se hicieron en América, se nacen –diría Unamuno– en México. Remontan el tiempo, buscan su identidad, y en un momento dado comprenden que el tiempo se ha hecho carne propia».1 De aquí deriva la absoluta ambigüedad o dualidad en la que han vivido: la españolidad que proviene de sus raíces, pero que es insostenible en sus recuerdos; y la mexicanidad manifestada en su desempeño cotidiano. De tal suerte son españoles y también mexicanos; o quizá, ni son españoles ni tampoco mexicanos. La segunda generación de escritores del exilio,2 a la que pertenece Rius, se caracteriza por una situación singular: entre la de los netamente españoles, como sus padres, y la de los mexicanos, como serán sus hijos; el mismo poeta la denominó «fronteriza». Y este hecho es la huella primordial en su creación artística: españoles por nacimiento y educación; mexicanos por circunstancia. «¿Son mexicanos o son españoles?» –se pregunta Octavio Paz. Y responde: «El problema me interesa poco; me basta con saber que escriben en español; la lengua es la única nacionalidad de un escritor».3 Esto es incuestionable, sin embargo escriben desde la perspectiva de la ausencia, la nostalgia, la orfandad del pasado que contrasta con la realidad: la presencia de la cotidianidad mexicana. En resumen, una extraña naturaleza ha acompañado a Rius –y otros más– aún después de muerto: se le considera escritor mexicano, ya que su nombre se incluye en el Diccionario bibliográfico de escritores de México;4 y también español, pues aparece en el Diccionario Espasa de Literatura Española. Rius escribe para conocerse, revelarse, trata de comprenderse a sí mismo. La cualidad de su creación es subjetiva; por ende, su poesía está impregnada de interrogantes sobre su identidad con un carácter existencial: ¿Quién soy yo aquí, quién soy en esta tierra de hombres … entre hierro y petróleo…? Se cuestiona ante su presencia forastera en México; o bien, mira desde la otra perspectiva, la de los mexicanos: ¿De qué tierra será?, ¿dónde su mar –dicen–, ¿cuál es su sol, su aire, su río? Y él mismo responde: Mi origen se hizo pronto algo sombrío y cuando a él vuelvo no lo vuelvo a hallar. Cada vez que me pongo a caminar hacia mí pierdo el rumbo, me desvío. Estos versos pertenecen al poema «Acta de extranjería», publicado en su último poemario, de 1984, año en el que falleció a los 54. El sentimiento de desarraigo, que figuró desde sus primeras creaciones, le forjó un sello de madurez, quizá poco natural si no se conoce su propio despertar en el destierro. A los 21 años, publicó su primer poemario, Canciones de vela (1951), en el que escribe: Soledad, tú y yo en la tarde muerta. Compañera mía, triste amiga vieja. … Hoy duele más hondo el corazón, llega más claro el silencio, la vida más lenta. Con el paso del tiempo, este sentimiento fue más profundo, más nostálgico: le dolía la condición de ser hondamente desterrado. Es una sierpe herida que se arrastra en la noche congelada de un invierno sin tierra. Se intensifica la desesperanza, el desaliento, la soledad «alta como un pino», –así la adjetiva–; y, de manera muy importante, la dualidad: esa condición de no ser él sino otro quien debió habitar su esencia, ese ente volátil que quedó en la lejanía del tiempo, en un pasado en el que no tuvo oportunidad de existir, pero que encarnó su esencia: Yo fui, no soy, y mi verdad es ésta, mi presencia conmigo, la más mía; ser tan sólo memoria y lejanía, jugador ya sin carta y sin apuesta. Si ahora digo que fui, que tuve puesta la vida en ejercicio, que vivía, muy bien me sé que igual melancolía me daba entonces similar respuesta. Entonces ya también había vivido sin vivir ni esperar un venidero instante, un presente no cumplido. Siempre he sido pasado. Así me muero: no recordando ser, sino haber sido, sin tampoco haber sido antes primero. La infancia quedó en la lejanía de su origen, en tiempo y en espacio, del pueblo manchego en el que nació y en el que debía haber transcurrido su vida de forma natural. El cambio radical que le dio el destino lo fuerza a un abandono prematuro de sí mismo, al tomar conciencia y cuestionar su naturaleza, descubre a otro en el que reconoce su silueta, su sombra, un ente que percibe o vislumbra, pero al que nunca alcanza; se le ausenta o se le pierde en la nebulosa, en la indeterminación de sí mismo. Él se reconoce como sombra de su propia sombra. Aquel que nunca fui viene a llamarme al corazón y viene a entristecerme. … Él nunca pudo ser; es como el aire que me roza las manos y la frente; nació sin cuerpo, más desheredado que yo, más desasido, más ausente. … Alguna vez lo olvido. Me enajena el gozo de vivir algunas veces. Entonces, ¿dónde va? Pero muy pronto algo me avisa al corazón, me advierte, y ese gozo se va volviendo extraña sensación de no ser yo quien lo siente; de no ser yo del todo; ser a medias; muerto y vivo; una sombra. … Y ya con él, yo entro, en compañía, siento la vida verdaderamente. La poesía de Rius es el gran viaje interior, la búsqueda de la esencia, y en ese sentido es ontológica, auténtica. También se cuestiona sobre el tiempo y la significación que ha tenido en su vida. Es el tiempo en el que se detuvo su propio ser, antes del destierro; magnitud a la que estaba destinado a vivir en los espacios que se habían reservado para él, según su genealogía personal, y que la adversidad le arrebata: Yo pienso en otras horas de otros años. … Eran mis horas, era mi vivir cada día atesorado. … ¿Cuánto tiempo pasó que no he sentido? Sigue el reloj contando al mismo son su cuenta … ¿Qué le ha pasado al aire? ¿Son aún mías estas horas? ¿Y vivo aún? ¿Aún canto? La poesía citada refleja los mundos internos; sin embargo, el poeta también crea imágenes. El siguiente poema (en Canciones de amor y sombra, 1965), revela magníficos claroscuros de índole literaria clásica, a la que se avocó el poeta. La noche aguarda afuera honda como el mar, fría. La breve espiga de oro de la lámpara brilla sobre mi mesa. Sombras en las paredes me vigilan. Yo escudriño el silencio con los ojos. Mi sangre, perseguida de tanta noche, a golpes lleva en mi sien la cuenta de mi vida. Inmóvil, yo también soy sombra hambrienta del hambre de vivir mañana todavía. De cuando en cuando, asoman paisajes y sucesos meramente circunstanciales, como en «La calle de Pósitos», poema con ecos de García Lorca y Machado. Rius dibuja aspectos de una vida rural semejante a la que pudo haber vivido en su natal Tarancón. La línea tradicional literaria de canciones, romances y villancicos, a la que dedicó sus primeras creaciones, con el tiempo marcaron su obra: La recua viene trotando bulliciosa, calle abajo. Calle abajo el sol asoma entre los cerros plateados y los ángeles despiertan al día en el campanario. Fresco amanecer de luz y de humildad inflamado. … Alegre tamborileo de la calle con sus cascos. Y el carbonero detrás con una piedra en la mano, hosco y pardo, corre y grita, con la voz la va arreando. Voz del monte, tempranera, que se pierde calle abajo. En 1952, José Rojas Garcidueñas, fundador y director de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Guanajuato invitó a dar clases a Rius y a otros jóvenes intelectuales (Juan Villoro, Horacio López Suárez y Ricardo Guerra). Los recién llegados alquilaron una casa en la calle de Pósitos –inspiración y título del poema anterior–, número 77, adonde iba por largas temporadas a unírseles el siempre errante Pedro Garfias –a quien Rius admiró como poeta aunque no influyó en su estilo. Compartieron el auge cultural de la ciudad de Guanajuato, que en 1953 realizó el primer Festival Cervantino. Se involucraron en el evento y participaron en la dramatización de Don Quijote de la Mancha y de algunos Entremeses de Cervantes. Hacían teatro en las plazas públicas, reunían al público que deambulaba por las calles hasta hipnotizarlo con sus actuaciones y envolverlo en la trama. Esa veta gozosa de vida del poeta queda también plasmada en creaciones de temática amatoria, la otra gran vertiente en su creación. Luis Rius se enamoró varias veces: De querer tanto y tanto, no sabría qué querer más de ti que no pudiera querer más todavía. Por tu cuerpo te quiero; y más quisiera mi deseo que no acaba ya, de prisa, escalándote entera, a ti, de tan lejana, tan sumisa a mi voracidad de enredadera que sube de tus pies a tu sonrisa. … Fue el amor igualmente búsqueda de sí mismo a través del ser amado, del eros que lo vinculaba con la fuerza vital trascendente y con la cotidianidad. Admiraba la danza, en específico el flamenco andaluz, motivo inspirador de un genuino sentimiento de amor que toma forma en Canciones a Pilar Rioja, libro que obtuvo el Premio Olímpico de Poesía en 1968. Podría bailar en un tablado de agua sin que su pie la turbase, sin que lastimara al agua. No en el aire, que al fin es humano el ángel que baila. No, en el aire no podría, pero sí en el agua. A Luis Rius le angustiaba la muerte, no sólo la de todo ser vivo sino la de las cosas: todo acaba, todo termina… El amor y los momentos amorosos contrarrestaban esta perspectiva, eran una salvación: consuelo de la angustia existencial de lo que termina. Y entre todo lo que finaliza, también el amor como experiencia sensual concreta aunque el sentimiento trascienda la muerte. Lo ejemplifico el siguiente soneto: Sólo tú quedarás, yo estaré ausente; rota mi voz, mi sangre congelada. Caminante, cumplida la jornada, la dura tierra cubrirá mi frente. Sólo tú quedarás, prístina fuente del corazón, honda verdad, brotada. Oh, vida que, a mi muerte arrebatada, fluirás eternamente. Pasión de mi alma, amor, qué duradero serás en la nostalgia del sendero. Yerto mi cuerpo ya, mi voz perdida, tú quedarás y yo no podré verte: amor más verdadero que la vida, amor más poderoso que la muerte. Amor más poderoso que la muerte alude a la pasión, a la visión lírica característica del amor occidental que emana del amor cortés, en el que no se exalta la satisfacción de la pareja, sino lo opuesto: el sufrimiento, en este caso, determinado por la muerte: … Tú y yo ya no estaremos. Nuestras almas, vagando sin sangre y sin camino. Pero la noche quedará esperando, eternamente viva, para poder a veces recordarnos. La lírica de Rius surge de la experiencia concreta y precisa; y aunque sus poemas linden con lo ideal y lo abstracto, su transparencia no evoca el más allá, permanece en la esfera de lo conocido y determinado por los sentimientos propios: del amor y desamor, del encuentro y desencuentro, del erotismo, de la presencia y la ausencia de la amada que luego transmuta poéticamente. Ahora bien, esta parte vívida y real tampoco se presenta a través de un lenguaje erótico sin paliativos, se contiene y esboza imágenes y deseos que alientan al clímax matizando la emotividad: Ciervo amor entre sábanas, de amor por fin cautivo. El miedo estremecía su cuerpo ágil y fino, y el goce lo amansaba de tibio escalofrío. Oh, sus ojos, sus ojos de ciervo sometido. Abatido por una enfermedad incurable, Rius preparó el último de sus libros desde la cama de un hospital. En él reunió creaciones de sus cuatro poemarios anteriores y otras inéditas, sin haber logrado publicarlo. Cuestión de amor y otros poemas fue una obra póstuma, que ahora vuelve a ver la luz en Verso y prosa.7 Así, trasciende al dejar plasmadas sus percepciones sobre la temporalidad, la otredad, el destierro, la soledad y la aparente enajenación del goce circunstancial, mediante la transparencia de la palabra: Llegó aquí después o antes, a destiempo. Erró los caminos y los paralelos y los meridianos, los mundos enteros. Él iba a otro mundo. Llegó aquí. Extranjero fue de sus palabras y de sus silencios, de todas sus horas, de su mismo cuerpo. Él iba a otro mundo. Legó aquí. Y ha muerto un día cualquiera, en cualquier momento, antes o después, pero no a su tiempo. Él iba a otro mundo. Lo desvió el viento. Un profundo surco hendido por el destierro y el amor en la inmensidad de la tierra es la poesía de Rius. Con sus dos vertientes: el tánatos no sólo en la muerte física sino en la cósmica, y el eros, como lo único que lo puede salvar. Su obra está impregnada de un tono intimista, sereno equilibrado, nostálgico y de gran sutileza en el lenguaje. Es precisamente esa armoniosa interiorización unida a la perfección poética lo que la perfila como clásica. Referencias http://istmo.mx/2011/03/luis-rius-poeta-con-el-corazon-dividido/

Sir Andrew Motion FRSL (born 26 October 1952) is an English poet, novelist, and biographer, who was Poet Laureate of the United Kingdom from 1999 to 2009. During the period of his laureateship, Motion founded the Poetry Archive, an online resource of poems and audio recordings of poets reading their own work. In 2012, he became President of the Campaign to Protect Rural England, taking over from Bill Bryson. Early life Motion was born on 26 October 1952 in London; his mother was Catherine Gillian Bakewell (known as Gillian) and his father Andrew Richard Michael Motion (known as Richard). The family moved to Stisted, near Braintree in Essex, when Motion was 12 years old. Motion went to boarding school from the age of seven joined by his younger brother. Most of the boy’s friends were from the school and when Motion was in the village he spent a lot of time on his own. He began to have an interest and affection for the countryside and he went for walks with a pet dog. Later he went to Radley College, where, in the sixth form, he encountered Peter Way, an inspiring English teacher who introduced him to poetry– first Hardy, then Philip Larkin, W. H. Auden, Heaney, Hughes, Wordsworth and Keats. When Motion was 17 years old, his mother had a horse riding accident and suffered a serious head injury requiring a life-saving neurosurgery operation. She regained some speech, but she was severely paralysed and remained in and out of coma for nine years. She died in 1978 and her husband died of cancer in 2006. Motion has said that he wrote to keep his memory of his mother alive and that she was a muse of his work. When Motion was about 18 years old he moved away from the village to study English at University College, Oxford; however, since then he has remained in contact with the village to visit the church graveyard, where his parents are buried, and also to see his brother, who lives nearby. At University he studied at weekly sessions with W. H. Auden, whom he greatly admired. Motion won the university’s Newdigate Prize and graduated with a first class honours degree. Career Between 1976 and 1980, Motion taught English at the University of Hull and while there, at age 24, he had his first volume of poetry published. At Hull he met university librarian and poet Philip Larkin. Motion was later appointed as one of Larkin’s literary executors which would privilege Motion’s role as his biographer following Larkin’s death in 1985. In Philip Larkin: A Writer’s Life, Motion says that at no time during their nine-year friendship did they discuss writing his biography and it was Larkin’s longtime companion Monica Jones who requested it. He reports how, as executor, he rescued many of Larkin’s papers from imminent destruction following his friend’s death. His 1993 biography of Larkin, which won the Whitbread Prize for Biography, was responsible for bringing about a substantial revision of Larkin’s reputation. Motion was Editorial Director and Poetry Editor at Chatto & Windus (1983–89), he edited the Poetry Society’s Poetry Review from 1980–1982 and succeeded Malcolm Bradbury as Professor of Creative Writing at the University of East Anglia. He is now on the faculty at the Johns Hopkins Writing Seminars. Laureateship Motion was appointed Poet Laureate on 1 May 1999, following the death of Ted Hughes, the previous incumbent. The Nobel Prize-winning Northern Irish poet and translator Seamus Heaney had ruled himself out for the post. Breaking with the tradition of the laureate retaining the post for life, Motion stipulated that he would stay for only ten years. The yearly stipend of £200 was increased to £5,000 and he received the customary butt of sack. He wanted to write “poems about things in the news, and commissions from people or organisations involved with ordinary life,” rather than be seen a 'courtier’. So, he wrote "for the TUC about liberty, about homelessness for the Salvation Army, about bullying for ChildLine, about the foot and mouth outbreak for the Today programme, about the Paddington rail disaster, the 11 September attacks and Harry Patch for the BBC, and more recently about shell shock for the charity Combat Stress, and climate change for the song cycle he finished for Cambridge University with Peter Maxwell Davies.” On 14 March 2002, as part of the 'Re-weaving Rainbows’ event of National Science Week 2002, Motion unveiled a blue plaque on the front wall of 28 St Thomas Street, Southwark, to commemorate the sharing of lodgings there by John Keats and Henry Stephens while they were medical students at Guy’s and St Thomas’ Hospital in 1815–16. In 2003, Motion wrote Regime change, a poem in protest at Invasion of Iraq from the point of view of Death walking the streets during the conflict, and in 2005, Spring Wedding in honour of the wedding of the Prince of Wales to Camilla Parker Bowles. Commissioned to write in the honour of 109-year-old Harry Patch, the last surviving “Tommy” to have fought in World War I, Motion composed a five-part poem, read and received by Patch at the Bishop’s Palace in Wells in 2008. As laureate, he also founded the Poetry Archive, an on-line library of historic and contemporary recordings of poets reciting their own work. Motion remarked that he found some of the duties attendant to the post of poet laureate difficult and onerous and that the appointment had been "very, very damaging to [his] work". The appointment of Motion met with criticism from some quarters. As he prepared to stand down from the job, Motion published an article in The Guardian that concluded, "To have had 10 years working as laureate has been remarkable. Sometimes it’s been remarkably difficult, the laureate has to take a lot of flak, one way or another. More often it has been remarkably fulfilling. I’m glad I did it, and I’m glad I’m giving it up– especially since I mean to continue working for poetry." Motion spent his last day as Poet Laureate holding a creative writing class at his alma mater, Radley College, before giving a poetry reading and thanking Peter Way, the man who taught him English at Radley, for making him who he was. Carol Ann Duffy succeeded him as Poet Laureate on 1 May 2009. Post-laureateship Motion is Chairman of the Arts Council of England’s Literature Panel (appointed 1996) and is also a Fellow of the Royal Society of Literature. In 2003, he became Professor of Creative Writing at Royal Holloway, University of London. Since July 2009, Motion has been Chairman of the Museums, Libraries and Archives Council (MLA) appointed by the Department for Culture, Media and Sport. He is also a Vice-President of the Friends of the British Library, a charity which provides funding support to the British Library. He was knighted in the 2009 Queen’s Birthday Honours list. He has been a member of English Heritage’s Blue Plaques Panel since 2008. Motion was selected as jury chair for the Man Booker Prize 2010 and in March 2010, he announced that he was working with publishers Jonathan Cape on a sequel to Robert Louis Stevenson’s Treasure Island. Entitled Silver, the story is set a generation on from the original book and was published in March 2012. In July 2010, Motion returned to Kingston-upon-Hull for the annual Humber Mouth literature festival and taking part in the Larkin 25 festival commemorating the 25th anniversary of Philip Larkin’s death. In his capacity as Larkin’s biographer and as a former lecturer in English at the University of Hull, Motion named an East Yorkshire Motor Services bus Philip Larkin. Motion’s debut play Incoming, about the war in Afghanistan, premièred at the High Tides Festival in Halesworth, Suffolk in May 2011. Motion also featured in Jamie’s Dream School in 2011 as the poetry teacher. In June 2012, he became the President of the Campaign to Protect Rural England. In March 2014 he was elected an Honorary Fellow at Homerton College, Cambridge. Motion won the 2015 Ted Hughes Award for new work in poetry for the radio programme Coming Home. The production featured poetry by Motion based on recordings he made of British soldiers returning from the wars in Iraq and Afghanistan. Work Motion has said of himself: “My wish to write a poem is inseparable from my wish to explain something to myself.” His work combines lyrical and narrative aspects in a “postmodern-romantic sensibility”. Motion says that he aims to write in clear language without tricks. The Independent describes the stalwart poet as the “charming and tireless defender of the art form”. Motion has won the Arvon Prize, the John Llewellyn Rhys Prize, Eric Gregory Award, Whitbread Prize for Biography and the Dylan Thomas Prize. Motion took part in the Bush Theatre’s 2011 project Sixty-Six Books, writing and performing a piece based upon a book of the King James Bible. Personal life Motion’s marriage to Joanna Powell ended in 1983. He was married to Jan Dalley from 1985 to 2009, divorcing after a seven-year separation. They had one son born in 1986 and twins, a son and a daughter, born in 1988. In 2009 he married Kyeong-Soo Kim. They live in Baltimore, Maryland. Selected honours and awards 1975: won the Newdigate prize for Oxford undergraduate poetry 1976: Eric Gregory Award 1981: wins Arvon Foundation’s International Poetry Competition with The Letter 1984: John Llewellyn Rhys Prize for Dangerous Play: Poems 1974–1984 1986: Somerset Maugham Award for The Lamberts 1987: Dylan Thomas Prize for Natural Causes 1999: appointed Poet Laureate for ten years 1994: Philip Larkin: A Writer’s Life, Whitbread Prize for Biography 2009: Knighthood 2014: Wilfred Owen Poetry Award Selected works Poetry collections * 1972: Goodnestone: a sequence. Workshop Press * 1976: Inland. Cygnet Press * 1977: The Pleasure Steamers. Carcanet * 1981: Independence. Salamander Press * 1983: Secret Narratives. Salamander Press * 1984: Dangerous Play: Poems 1974–1984. Salamander Press / Penguin * 1987: Natural Causes. Chatto & Windus * 1988: Two Poems. Words Ltd * 1991: Love in a Life. Faber and Faber * 1994: The Price of Everything. Faber and Faber * 1997: Salt Water Faber and Faber * 1998: Selected Poems 1976–1997. Faber and Faber * 2001: A Long Story. The Old School Press * 2002: Public Property. Faber and Faber * 2009: The Cinder Path. Faber and Faber * 2012: The Customs House. Faber and Faber * 2015: Peace Talks. Faber and Faber * 2015: Coming Home. Published by Andrew J Moorhouse at Fine Press Poetry http://www.finepresspoetry.com Criticism * 1980: The Poetry of Edward Thomas. Routledge & Kegan Paul * 1982: Philip Larkin. (Contemporary Writers series) Methuen * 1986: Elizabeth Bishop. (Chatterton Lectures on an English Poet) * 1998: Sarah Raphael: Strip!. Marlborough Fine Art (London) * 2008: Ways of Life: On Places, Painters and Poets. Faber and Faber Biography and memoir * 1986: The Lamberts: George, Constant and Kit. Chatto & Windus * 1993: Philip Larkin: A Writer’s Life. Faber and Faber * 1997: Keats: A Biography. Faber and Faber * 2006: In the Blood: A Memoir of my Childhood. Faber and Faber Fiction * 1989: The Pale Companion. Penguin * 1991: Famous for the Creatures. Viking * 2003: The Invention of Dr Cake. Faber and Faber * 2000: Wainewright the Poisoner: The Confessions of Thomas Griffiths Wainewright (biographical novel) * 2012: Silver. Jonathan Cape Edited works, introductions, and forewords * 1981: Selected Poems: William Barnes. Penguin Classics * 1982: The Penguin Book of Contemporary British Poetry with Blake Morrison. Penguin * 1994: Thomas Hardy: Selected Poems. Dent * 1993: New Writing 2 (With Malcolm Bradbury). Minerva in association with the British Council * 1994: New Writing 3 (With Candice Rodd). Minerva in association with the British Council * 1997: Penguin Modern Poets: Volume 11 with Michael Donaghy and Hugo Williams. Penguin * 1998: Take 20: New Writing. University of East Anglia * 1999: Verses of the Poets Laureate: From John Dryden to Andrew Motion. With Hilary Laurie. Orion. * 1999: Babel: New Writing by the University of East Anglia’s MA Writers. University of East Anglia. * 2001: Firsthand: The New Anthology of Creative Writing from the University of East Anglia. University of East Anglia * 2002: Paper Scissors Stone: New Writing from the MA in Creative Writing at UEA. University of East Anglia. * 2001: The Creative Writing Coursebook: Forty Authors Share Advice and Exercises for Fiction & Poetry. With Julia Bell. Macmillan * 2000: John Keats: Poems Selected by Andrew Motion. Faber and Faber * 2001: Here to Eternity: An Anthology of Poetry. Faber and Faber * 2002: The Mays Literary Anthology; Guest editor. Varsity Publications * 2003: 101 Poems Against War . Faber and Faber (Afterword) * 2003: First World War Poems. Faber and Faber * 2006: Collins Rhyming Dictionary. Collins * 2007: Bedford Square 2: New Writing from the Royal Holloway Creative Writing Programme. John Murray Ltd. References Wikipedia—https://en.wikipedia.org/wiki/Andrew_Motion

El Marqués de Santillana, nombre por el que es conocido Íñigo López de Mendoza, I marqués de Santillana, I conde del Real de Manzanares y señor de Hita y Buitrago (Carrión de los Condes, Palencia, 19 de agosto de 1398 - Guadalajara, 25 de marzo de 1458), fue un militar y poeta del Prerrenacimiento. Personaje clave en la sociedad y la literatura castellana durante el reinado de Juan II de Castilla, provenía de una familia noble vasca inclinada desde siempre a las letras: su abuelo, Pedro González de Mendoza, y su padre, el Almirante de Castilla Diego Hurtado de Mendoza, fueron también poetas y estuvo emparentado con grandes figuras literarias de su tiempo, como el Canciller Pero López de Ayala, Fernán Pérez de Guzmán o Gómez Manrique. También sus hijos continuaron esta labor literaria y de mecenazgo cultural, sobre todo el gran Cardenal Pedro González de Mendoza. Su madre fue la riquísima Señora de la Casa de la Vega, Leonor Lasso de la Vega, la cual estuvo casada en primeras nupcias con Juan Téllez de Castilla, II Señor de Aguilar de Campoo e hijo del Infante Tello de Castilla. Su padre falleció teniendo él cinco años, lo que motivó que su madre, Leonor, tuviera que actuar con gran habilidad para conservar su herencia. Parte de su infancia la pasó en casa de Mencía de Cisneros, su abuela. Posteriormente, se formó con su tío, el arcediano Gutierre, que más tarde sería Arzobispo de Toledo. Muy joven, Íñigo se casó en Salamanca en 1412 con Catalina Suárez de Figueroa, hija del fallecido Maestre de Santiago, Lorenzo I Suárez de Figueroa, con lo cual su patrimonio aumentó en mucho, transformándole en uno de los nobles más poderosos de su tiempo. Marchó al poco a Aragón, junto al séquito de Fernando de Antequera, y allí fue copero del nuevo rey Alfonso V de Aragón, donde sin duda conoció la obra de poetas en provenzal y catalán que menciona en su Proemio. Literariamente se formó en la corte aragonesa, accediendo a los clásicos del humanismo (Virgilio, Dante Alighieri...) y de la poesía trovadoresca al lado de Enrique de Villena; en Barcelona trabó relación con Jordi de Sant Jordi, copero, y Ausiàs March, halconero real. En Aragón hizo estrecha amistad también con los Infantes de Aragón, en cuyo partido militaría hasta 1429. Allí, por último nació en septiembre de 1417 su primogénito, Diego Hurtado de Mendoza y Suárez de Figueroa, futuro duque del Infantado. Regresó a Castilla al tiempo de la jura del rey Juan II de Castilla y participó en las luchas de poder entre Enrique de Aragón y Álvaro de Luna, en el bando del primero. Estuvo junto a él en el golpe de Tordesillas y en el cerco del castillo de la Puebla de Montalbán, en diciembre de 1420. Tras la prisión de don Enrique, regresó a sus posesiones de Hita y Guadalajara. En 1428 nació en Guadalajara su sexto hijo, el que sería Cardenal Mendoza. Como político, procuró a partir de 1422 inmiscuirse lo menos posible en los asuntos de Estado y mantener a lo largo de su vida la fidelidad al rey Juan II. Ello le llevó a enemistarse primero con los infantes de Aragón en 1429, al no apoyar su invasión de Castilla en el verano de aquel año; y más tarde, a partir de 1431, se enemistaría con el privado real Álvaro de Luna; aunque no por ello volvería a militar en el bando de los aragonesistas. En la primera batalla de Olmedo (1445) estuvo en las filas del ejército real, por lo cual el Rey le concedió el título de Marqués de Santillana y el condado suprascrito. Ya el año anterior, 1444, había recibido la confirmación real del privilegio a su favor de los derechos que la Corona tenía en las Asturias de Santillana. Don Iñigo contribuyó claramente a la caída de don Álvaro de Luna (1453) y contra él escribió su Doctrinal de privados; a partir de entonces comienza a retirarse de la política activa. Su última gran aparición se produce en la campaña contra el reino nazarí de Granada de 1455, ya bajo el reinado de Enrique IV de Castilla. Ese mismo año muere su mujer, doña Catalina de Figueroa, y el Marqués se recluye en su palacio de Guadalajara para pasar en paz y estudio los últimos años de su vida. El 8 de mayo de 1455 hizo testamento, estando en Guadalajara. Hombre de gran cultura, llegó a reunir una importante biblioteca, que después pasó a ser la famosa biblioteca de Osuna, y se rodeó de brillantes humanistas que le tenían al tanto de las novedades literarias italianas, como por ejemplo Juan de Mena o su secretario y criado, Diego de Burgos, quien compuso a su muerte un muy erudito poema, el Triunfo del Marqués. Don Iñigo López de Mendoza es el progenitor y cabeza de la poderosa casa ducal del Infantado, Grandes de España. Falleció en su palacio de Guadalajara el 25 de marzo de 1458 Descendencia * Diego Hurtado de Mendoza y Suárez de Figueroa, Duque del Infantado. * Pedro Lasso de Mendoza, señor del valle del Lozoya. * Íñigo López de Mendoza y Figueroa, Conde de Tendilla. * Mencía de Mendoza, esposa de Pedro Fernández de Velasco y Manrique de Lara, Conde de Haro. Enterrada junto a su marido en la Capilla del Condestable, en la Catedral de Burgos. * Lorenzo Suárez de Mendoza y Figueroa, Conde de la Coruña. * Pedro González de Mendoza. * Juan Hurtado de Mendoza, señor de Colmenar, El Cardoso y El Vado. * María de Mendoza, esposa de Pero Afán de Ribera, Conde de los Molares. * Leonor de la Vega y Mendoza, esposa de Gastón de la Cerda Sarmiento, Conde de Medinaceli. * Pedro Hurtado de Mendoza, señor de Tamajón. Obra Fue, además, uno de los primeros historiadores de la literatura española y le preocupó cuestiones de poética, como demuestra el prólogo que puso a sus obras, el Proemio e carta al condestable don Pedro de Portugal. Toda su obra puede inscribirse dentro de la Escuela alegórico-dantesca; fue sin duda alguna el más ferviente admirador que tuvo Dante Alighieri en España, y también asimiló lo que pudo del humanismo de Petrarca y de Giovanni Boccaccio. Es especialmente recordado por sus serranillas, poemitas de arte menor que tratan del encuentro entre un caballero y una campesina, a imitación de las pastorelas francesas, pero inspiradas en una tradición popular autóctona propia. Fue el primer autor que escribió sonetos en castellano, estrofa de origen italiano mal conocida aún en Castilla: los 42 sonetos fechos al itálico modo. Su obra maestra dentro del estilo alegórico-dantesco es la Comedieta de Ponza, donde describe la batalla naval homónima en coplas reales. Escribió además poemas alegóricos y doctrinales (dezires) y lírica cancioneril, y recopiló una de las primeras colecciones paremiológicas en castellano, los Refranes que dicen las viejas tras el fuego. A partir del estudio que de su obra hizo Lapesa, se puede distinguir: Poesía Lírica menor, de la que destacan las Serranillas y las Canciones y decires líricos. Sonetos Decires narrativos, entre los que destacan el Triunphete de Amor, El infierno de los enamorados y la Comedieta de Ponça. Poesía moral, política y religiosa, de la que la obra más conocida posiblemente sea el Bías contra Fortuna. Prosa Escritos morales y políticos, como la Lamentaçión de Spaña. Escritos literarios: el Proemio o Proemio e carta al condestable don Pedro de Portugal Escritos exegéticos: Glosas a los Proverbios. Recopilaciones: Refranes que dicen las viejas tras el fuego. Referencias Wikipedia - http://es.wikipedia.org/wiki/Familia_de_Mendoza

William Harris Lloyd Roberts (31 October 1884– 28 June 1966) was a Canadian writer, poet, and playwright. He was born in Fredericton, New Brunswick, the son of noted Canadian poet Charles George Douglas Roberts and Mary Isabel Fenety. After an education by private tutors, he attended King’s Collegiate School then, in 1905, Fredericton High School. In 1903 he performed clerical work at McClure’s magazine. From 1904 until 1907 he was an assistant editor at the Outing magazine, based in New York City. He wrote short stories and poetry for various magazines, plus performing part-time newspaper work starting in 1911. On January 1, 1914, he was married to Helen Hope Farquhar Bolmain. The couple had a daughter, Patricia Bliss, before Helen died. In 1912, he became editor of immigration literature for the Canadian Department of Interior in Ottawa. Two years later, he served as a correspondent for the Timer and Grazing branch of the Interior Department in Ottawa. On August 15, 1914, he married his second wife, Lila White; the couple divorced shortly thereafter. After 1920 he retired from work in order to devote all of his time to writing fiction, drama, poetry, and special articles. From 1925 until 1939 he was a correspondent for the Christian Science Monitor, then he performed public relations for the Royal Canadian Mounted Police up to 1945. His third marriage in 1943 was to Julia Bristow, and they would have two daughters. Bibliography * England Over Seas (1914) * Come Quietly, Britain (1915) * Mother Doneby (1916) * The Book of Roberts (1923) * Along the Ottawa (1927) * I Sing of Life (1937) References Wikipedia—https://en.wikipedia.org/wiki/William_Harris_Lloyd_Roberts

Rafael Laffón Zambrano (Sevilla, 1895 - ibídem, 1978) fue un escritor español miembro de la Generación del 27, consagrado a la poesía y la crítica. Biografía Estudió en su ciudad derecho y filosofía y letras, licenciándose en la primera. Residió siempre en Sevilla, llevando una existencia retraída y alejada de los vaivenes políticos como funcionario técnico de la administración. Colaboró en numerosas revistas y periódicos españoles e hispanoamericanos y su poesía ha sido traducida a distintos idiomas. Con Alejandro Collantes, Joaquín Romero Murube, Eduardo Llosent, Juan Sierra y Rafael Porlán, fundó en 1926 en Sevilla el grupo y revista Mediodía. Fue premio nacional de poesía en 1959 con La rama ingrata. Su última época se inicia con el libro Vigilia del jazmín (1952), cuando práctica una poesía de testimonio personal y existencial, dejando el grácil retoricismo anterior. Esta fase se completa con La cicatriz y el reino (1964), A dos aguas (1962) y Sinusoides y puzzle (1970). Premios Premio Nacional de Poesía (1959) Referencias Wikipedia – https://es.wikipedia.org/wiki/Rafael_Laffón

El poeta solitario Francisco Andrés Escobar (San Salvador, 10 de octubre de 1942 - 9 de mayo de 2010) fue un actor, escritor y periodista salvadoreño. Realizó estudios en licenciatura en Trabajo Social y Ciencias Políticas en la Universidad Centroamericana "José Simeón Cañas" y participó como actor protagónico o coprotagónico en diversas obras teatrales. También dirigió una pieza dramática de su propia autoría: Un tal Ignacio (1994), dedicada a la memoria del rector de la UCA, Ignacio Ellacuría. Asimismo colaboró como periodista y articulista en la revista Estudios centroamericanos (ECA), a cuyo consejo de redacción perteneció entre 1979 y 1998, Revista Semana (ya desaparecida), y en los periódicos El Mundo y La Prensa Gráfica donde publicó sus ùltimos cuentos y crónicas. Su obra publicada incluye los poemarios Una historia de pájaros y niebla (1978), Petición y ofrenda (1979), Ofertorio (1979), Solamente una vez (1997); la recopilación de cuentos y crónicas El país de donde vengo (1998) y el libro La lira, la cruz y la sombra (2003) que relata la biografía del poeta Alfredo Espino. En 1995, el gobierno de El Salvador le concedió el Premio Nacional de Cultura y fue electo como miembro de la Academia Salvadoreña de la Lengua. Referencias Wikipedia — http://es.wikipedia.org/wiki/Francisco_Andrés_Escobar

Brígida Agüero y Agüero. Poetisa camagüeyana que tuvo como mentor a su padre Francisco Agüero Duque Estrada, apodado “El Solitario”, entre él y su esposa doña María Agüero y Varona forjaron su alma y sus sentimientos. Nace en Puerto Príncipe, Camagüey, Cuba el 12 de mayo de 1837. Hija del poeta Francisco Agüero y Estrada. Pasó la niñez en una finca cerca de su natal Puerto Príncipe, en la que recibió de sus padres la primera educación. Con el movimiento revolucionario de Narciso López, su padre, que se había dado a conocer por sus ideas políticas, fue desterrado y eso hizo que Brígida dejase el campo para vivir en la ciudad, donde dio a conocer sus poemas. En 1861 amplió su educación en la academia que sostenía la Sociedad Filarmónica de Camagüey. Más tarde llegó a ser socia de mérito de dicha sociedad. A los diecisiete años se dedicó por completo al cultivo de las letras y a laborar por la cultura de su ciudad natal. En 1861 se establecieron en la Sociedad Filarmónica de Puerto Príncipe unas clases de literatura y en ellas estudió con asiduidad demostrando sus condiciones excepcionales, al poco tiempo era nombrada Socia Facultativa de la sección de literatura. Fue en esa época en que escribió su oda "Las Artes y la Gloria, que dedicó a los socios del liceo camagüeyano y que leyó en uno de los muchos actos culturales que ofrecía a la sociedad tan prestigiosa institución. Todo lo feliz que fuera en sus primeros años, lo fue de desgraciada en su juventud. La familia se vio perseguida por sus ideas revolucionarias, y ella, pronto se vio atacada por la tuberculosis que hizo grandes estragos en su delicado organismo. Nunca ignoró su estado. Murió en Puerto Príncipe un 26 de junio de 1865, a los veintinueve años dejando una basta obra. Escrito Sus poemas aparecen recogidos por José Manuel Carbonell en el tomo tercero de su Evolución de la cultura cubana. 1608-1927. (La poesía lírica en Cuba. T. 3. La Habana, Imp. El Siglo XX, 1928, p. 365-367.) Retrato de una señorita, 1858; Ecos del alma, 1859; Inspiración, 1859; La Fe Cristiana, 1859; Flores del alma, 1859; Lo Bello, 1860; A la señora doña Gertrudis Gómez de Avellaneda, 1860; A la Virgen, 1860; El encuentro, 1860; Las Artes y la Gloria, 1860; Desencanto, A..., 1860; A Puerto Príncipe, 1860; Adiós a B..., 1860; Esperanza, 1860; A un retrato, 1860; Desde el campo, 1864; A la simpática niña doña Ana de Varona y Varona, 1864; A la Primavera, 1864; La noche y el día, 1865; Resignación, 1866. A su memoria ofrendaron numerosos poetas, escritores y admiradores suyos una Corona Fúnebre en sentidos versos. Referencias Ecured – https://www.ecured.cu/Brígida_Agüero_y_Agüero

Alfonso X el Sabio Rey de Castilla y de León (Toledo, 1221 - Sevilla, 1284). Era hijo primogénito de Fernando III, a quien sucedió en 1252. Ya como infante realizó importantes labores, como la conquista del Reino de Murcia (1241) o la paz con Jaime I de Aragón, que conllevó el matrimonio de Alfonso con su hija Violante. Impulsó la Reconquista tomando plazas como Jerez, Medina-Sidonia, Lebrija, Niebla y Cádiz (1262). Hizo frente a una sublevación de los musulmanes de sus reinos, promovida por los reyes de Granada y Túnez (1264). Repobló Murcia y la Baja Andalucía. E incluso continuó el avance frente al Islam pasando al norte de África, al enviar una expedición a Salé (1260). Otra parte de sus esfuerzos hubo de dedicarlos a reprimir rebeliones interiores, como la protagonizada por el infante Enrique y varios nobles (1255), la que se produjo en Vizcaya (1255) o la que encabezó el infante Felipe (1272). Alfonso era hijo de Beatriz de Suabia, circunstancia que le hizo aspirar a la coronación imperial de Alemania, logrando la elección en 1257 con el apoyo de Sajonia, Brandeburgo, Bohemia y varias ciudades italianas. La oposición del papa hizo fracasar finalmente el empeño -en el que triunfó Rodolfo de Habsburgo-, renunciando Alfonso en 1276. Este llamado «fecho del Imperio» fue muy impopular en Castilla, pues exigió dinero y hombres que -unidos a los gastos de la corte y a las continuas guerras- crearon dificultades financieras, que obligaron a reducir la ley de la moneda y a crear nuevos impuestos. Durante una de las ausencias del rey por el asunto del Imperio, los benimerines de Marruecos desembarcaron en Algeciras (1272); en la lucha contra aquella campaña murió el infante Fernando de la Cerda, heredero del trono, antes de que su hermano Sancho consiguiera rechazar a los musulmanes. Posteriormente los benimerines derrotaron a una flota castellana en el estrecho de Gibraltar (1278), obligando a Alfonso a pactar una tregua. Alfonso provocó con sus contradicciones un conflicto sucesorio: había promulgado las Partidas, según las cuales debía sucederle el hijo mayor del difunto Alfonso de la Cerda; pero al morir éste prefirió declarar heredero en 1278 a su segundo hijo, Sancho IV, siguiendo la tradición castellana (quizá para evitar un enfrentamiento inmediato con éste). Un intento posterior de hacer al infante de la Cerda rey de Jaén provocó la rebeldía de Sancho, quien buscó apoyo en Aragón y Portugal (mientras que Francia apoyaba a los de la Cerda) y se hizo reconocer por unas Cortes reunidas en Valladolid, que depusieron a Alfonso (1282). Éste, confinado en Sevilla, buscó apoyo en el rey benimerín; pero murió antes de haberse enfrentado con Sancho. En su testamento desheredaba a Sancho y reconocía como sucesores a los infantes de la Cerda, dando así motivo para nuevas disensiones. La obra de Alfonso X el Sabio El reinado de Alfonso destacó sobre todo en el orden cultural. A Alfonso X el Sabio se le considera el fundador de la prosa castellana y, de hecho, puede datarse en su época la adopción del castellano como lengua oficial. Sus profundos conocimientos de astronomía, ciencias jurídicas e historia desembocan en la organización de tres grandes centros culturales que giran alrededor de Toledo, Sevilla y Murcia. En la primera ciudad quedó ubicada la famosa Escuela de traductores de Toledo que, junto a compiladores y autores originales repartidos por el resto, emprendió una ingente labor de recogida de toda clase de materiales para la elaboración de libros, que el propio rey corregía y supervisaba. Movido exclusivamente por un afán cultural, el rey hizo tabla rasa de las diferencias de raza o religión, por lo que reunió a judíos, musulmanes, castellanos e italianos, que colaboraron libremente y otorgaron al conjunto una proyección universal. Las obras así producidas pueden encuadrarse en tres grandes apartados: obras jurídicas, obras científicas o de carácter recreativo y obras históricas. El propósito de las primeras fue contribuir a la labor unificadora iniciada por Fernando III el Santo. El Fuero real de Castilla (1254) preparó la redacción de la que sería su gran obra, el Código de las siete partidas (1256-1263 o 1265), donde se recoge lo mejor del derecho romano para unirlo a las más vivas tradiciones de Castilla. Este código, de larga influencia en el ordenamiento castellano y español, supuso la recepción del derecho romano en Castilla y su incorporación a la corriente europea del «derecho común». Obras científicas o de carácter recreativo son los Libros del saber de astronomía con sus Tablas astronómicas o Tablas alfonsíes, integrados por tratados originales, refundiciones y traducciones que pretenden compilar todo el conocimiento astronómico de la época con el fin de impulsar su desarrollo. Asimismo cabe registrar el Lapidario (1276-1279), tratado en el que se describen quinientas piedras preciosas, metales y algunas sustancias, y los Libros de ajedrez, dados y tablas (1283). También se le atribuye la traducción de los cuentos de Calila y Dimna. Entre las obras de carácter histórico figuran dos títulos fundamentales: la Crónica general y la Grande e general estoria, textos cuya ambiciosa empresa es contar, el primero de ellos, la historia de España desde un punto de vista unificador, en términos nacionales y políticos; el segundo, en cambio, se propone la relación de la historia universal. Otra importante faceta de su actividad fue alentar la creación poética, así como escribir poesía en lengua gallega. Sus 453 composiciones, entre las que abundan las de "escarnio" vertidas en un lenguaje paródico o insolente que recurre a veces a la ironía mordaz, lo avalan como el primer lírico en dicha lengua. Sin embargo, es en su vertiente religiosa donde el rey alcanza sus mayores logros: las 420 canciones que componen las Cantigas de Santa María, dedicadas a enaltecer los milagros de la Virgen, constituyen uno de los más preciados legados de musicalidad y variedad métricas. Referencias Biografías y Vidas - http://www.biografiasyvidas.com/biografia/a/alfonso_x.htm

No se sabe a ciencia cierta donde nació Aldana, creyendo Rodríguez Moñino que era natural de Alcántara, como su padre, el ilustre capitán de los Tercios Bernardo de Aldana, si bien la mayoría de los estudiosos consideran que nació en Nápoles, probablemente en 1537. Era hijo del capitán de la guarnición militar destacada allí. Su juventud la pasó en Florencia, entregado al estudio de las lenguas clásicas y de los autores de la antigüedad, de los que llegó a ser un buen conocedor; además llegó a dominar incluso una docena de lenguas. Como poeta, es uno de los representantes del neoplatonismo en la poesía española. Como poeta fue tan alabado en su época que fue llamado el Divino por el mismo Miguel de Cervantes Saavedra, quien lo nombra en su obra de la Galatea y "símbolo del Renacimiento" por los creadores del Diccionario de Autoridades, quienes lo hicieron figurar entre la Autoridades de la Lengua. Como su padre y su hermano se consagró a la carrera militar, que no tardó pronto en detestar ansiando la vida contemplativa, y combatió como capitán en San Quintín, donde tuvo una actuación destacada, tanto que el rey Carlos I de España lo mencionaría por su valor; y, ya general de Artillería, fue enviado a Flandes en 1572 bajo el mando de don Fadrique Álvarez de Toledo y Enríquez, hermano del duque de Alba; durante el sitio de Harlem, donde fue herido por un mosquetazo en un pie. Residió en la corte de los Médicis en Florencia, donde concluyó su formación. De vuelta en España, fue alcalde del castillo de San Sebastián y un gran consejero y amigo del rey, Felipe II de España. Puesto por el rey al servicio del rey de Portugal Don Sebastián, sobrino de Felipe II, el rey lo apreció tanto que le regaló un collar de oro por valor de mil ducados. Francisco de Aldana, junto a Diego de Torres, fue el encargado de llevar a cabo la exploración del territorio marroquí, disfrazado de judío, labor que hizo en dos meses. Francisco, conocedor de casi una docena de lenguas, no tuvo problemas para desempeñar esta difícil misión. Murió el 4 de agosto de 1577 luchando contra los musulmanes en la batalla de Alcazarquivir, como general de la infantería de la expedición de Don Sebastián, aunque había desaconsejado esa empresa y estaba a disgusto con la idea. Su hermano Cosme editó en dos partes (Milán, 1589; Madrid, 1591) lo que pudo hallar de su obra, en la que destacan en particular los sonetos donde revela su desengaño y disgusto por la vida militar que llevaba y expresa su deseo de retirarse para llevar una vida contemplativa en soledad y en contacto con la naturaleza. También son importantes una Fábula de Faetonte en endecasílabos blancos, la muy original Canción a Cristo crucificado y la extraordinaria Epístola a Arias Montano sobre la contemplación de Dios y los requisitos della (1577), en tercetos encadenados, de inspiración neoplatónica, que ha pasado a todas las antologías de poesía en castellano como obra clásica por contenido y estilo: Pienso torcer de la común carrera que sigue el vulgo y caminar derecho jornada de mi patria verdadera; entrarme en el secreto de mi pecho y platicar en él mi interior hombre, dó va, dó está, si vive, o qué se ha hecho. Y porque vano error más no me asombre, en algún alto y solitario nido pienso enterrar mi ser, mi vida y nombre y, como si no hubiera acá nacido, estarme allá, cual Eco, replicando al dulce son de Dios, del alma oído. Admirado por Francisco de Quevedo, que intentó editar sus obras en el siglo XVII para combatir el lenguaje culterano, y por Cervantes, quien lo pone junto a Boscán y Garcilaso, fue reverenciado por poetas de la Generación del 27 como Luis Cernuda. Sonetos * Al cielo * Alma Venus gentil, que al tierno arquero * ¿Cuál es la causa, mi Damón, que estando * Cuál nunca osó mortal tan alto el vuelo * El ímpetu cruel de mi destino * Es tanto el bien que derramó en mi seno * Galanio, tú sabrás que esotro día * Hase movido, dama, una pasión * Mil veces callo que romper deseo * Mil veces digo, entre los brazos puesto * Otro aquí no se ve que, frente a frente * Por un bofetón dado a una dama * Reconocimiento de la vanidad del mundo Otros poemas * Carta para Arias Montano (también conocida como Epístola a Arias Montano) * Pocos tercetos escritos a un amigo Referencias Wikipedia - http://es.wikipedia.org/wiki/Francisco_de_Aldana

John Allyn Berryman (October 25, 1914– January 7, 1972) was an American poet and scholar, born in McAlester, Oklahoma. He was a major figure in American poetry in the second half of the 20th century and was considered a key figure in the Confessional school of poetry. His best-known work is The Dream Songs. Life and career John Berryman was born John Allyn Smith, Jr. in Oklahoma where he was raised until the age of ten, when his father, John Smith, a banker, and his mother, Martha (also known as Peggy), a schoolteacher, moved to Tampa, Florida. In 1926, in Florida, when the poet was eleven years old, his father shot and killed himself, Berryman was haunted by his father’s death for the rest of his life and would later write about his struggle to come to terms with it in his book The Dream Songs. In "Dream Song #143", he wrote, "That mad drive [to commit suicide] wiped out my childhood. I put him down/while all the same on forty years I love him/stashed in Oklahoma/besides his brother Will". In "Dream Song #145", he also wrote the following lines about his father: he only, very early in the morning, rose with his gun and went outdoors by my window and did what was needed. I cannot read that wretched mind, so strong & so undone. I've always tried. I–I'm trying to forgive whose frantic passage, when he could not live an instant longer,in the summer dawn left Henry to live on. Similarly, in Dream Song #384, Berryman wrote: The marker slants, flowerless, day's almost done, I stand above my father's grave with rage, often, often before I've made this awful pilgrimage to one who cannot visit me, who tore his page out: I come back for more, I spit upon this dreadful bankers grave who shot his heart out in a Florida dawn After his father’s death at the rear entrance to Kipling Arms, where the Smiths rented an apartment, the poet’s mother, within months, married John Angus McAlpin Berryman in New York City. The poet was renamed John Allyn McAlpin Berryman. Berryman’s mother also changed her first name from Peggy to Jill. Although his stepfather would later divorce his mother, Berryman and his stepfather stayed on good terms. With both his mother and stepfather working, his mother decided to send him away to the South Kent School, a private boarding school in Connecticut. Then Berryman went on to college at Columbia College where he was president of the Philolexian Society, joined the Boar’s Head Society, edited the Columbia Review, and studied under the literary scholar and poet Mark Van Doren. Berryman would later credit Van Doren with sparking his interest in writing poetry seriously. For two years, Berryman also studied overseas at Clare College, Cambridge, on a Kellett Fellowship, awarded by Columbia. He graduated in 1936. Regarding Berryman’s earliest success in poetry, the Norton Anthology of Modern Poetry editors note that "Berryman’s early work formed part of a volume entitled Five Young American Poets, published by New Directions in 1940". One of the other young poets included in the book was Randall Jarrell. Berryman would soon publish some of this early verse in his first book, also with New Directions Publishing, simply titled Poems, in 1942. However, his first mature collection of poems, The Dispossessed, appeared six years later, published by William Sloane Associates. The book received largely negative reviews from poets like Randall Jarrell who wrote, in The Nation, that Berryman was "a complicated, nervous, and intelligent [poet]" whose poetry in The Dispossessed was too derivative of W. B. Yeats. Berryman would later concur with this assessment of his early work, stating, “I didn’t want to be like Yeats; I wanted to be Yeats.” In October 1942, Berryman married Eileen Mulligan (later Simpson) in a ceremony at St. Patrick’s Catherdral, with poet Mark Van Doren as his best man. The pair moved to Beacon Hill, where Berryman lectured at Harvard. The marriage ended in 1953 (a divorce was formalized in 1956), when Simpson finally grew weary of tolerating Berryman’s affairs and acting as “net-holder” throughout his self-destructive personal crises. Simpson would memorialize her time with Berryman and his circle in her 1982 book Poets in Their Youth. In 1947, Berryman started an affair with a married woman named Chris, documented in a long sonnet sequence that he refrained from publishing, in part, because publication of the sonnets would have revealed the affair to his wife. However, he did eventually decide to publish the work, titled Berryman’s Sonnets, in 1967. The work included over one hundred sonnets. In 1950, Berryman published a biography of the fiction writer and poet Stephen Crane whom he greatly admired becoming, “the only biography by a leading American poet of the great American writer, Stephen Crane.” This book was followed by his next significant poem, Homage to Mistress Bradstreet (1956), which featured illustrations by the artist Ben Shahn and was Berryman’s first poem to receive “national attention” and a positive response from critics. Edmund Wilson wrote that it was “the most distinguished long poem by an American since T. S. Eliot’s The Waste Land.” When “Homage to Mistress Bradstreet and Other Poems” was published in 1959, the poet Conrad Aiken praised the shorter poems in the book which he thought were actually better than “Homage to Mistress Bradstreet”. Despite the relative success of his third book of verse, Berryman’s great poetic breakthrough occurred after he published 77 Dream Songs in 1964. It won the 1965 Pulitzer Prize for poetry and solidified Berryman’s standing as one of the most important poets of the post-World War II generation that included Robert Lowell, Elizabeth Bishop, and Delmore Schwartz. Soon afterwards, Berryman started receiving a great deal of national attention from the press, from arts organizations, and even from the White House which sent him an invitation to dine with President Lyndon B. Johnson (though Berryman had to decline because he was in Ireland at the time). Berryman was elected a Fellow of the American Academy of Arts and Sciences in 1967, and that same year Life magazine ran a feature story on him. Also, that year the newly created National Endowment for the Arts awarded him a ten thousand dollar grant (though he admitted, when asked about the award by a Minneapolis reporter, that he had never heard of the organization before). Berryman also continued to work on the “dream song” poems at a feverish pace and published a second, significantly longer, volume entitled His Toy, His Dream, His Rest, in 1968, which won the National Book Award for Poetry and the Bollingen Prize. The following year Berryman republished 77 Dreams Songs and His Toy, His Dream, His Rest as one book titled The Dream Songs, in which the character Henry serves as Berryman’s alter ego. But in Love & Fame (1970), he dropped the mask of Henry to write more plainly about his life. Responses to the poems from critics and most of Berryman’s peers ranged from tepid, at best, to hostile; now the collection is generally “considered a minor work”. The character of Henry reappeared in a couple of poems published in Delusions Etc., (1972), Berryman’s last collection, which focused on his religious concerns and his own spiritual rebirth. The book was published posthumously and, like its predecessor, Love & Fame, it is considered a minor work. Berryman taught or lectured at a number of universities including University of Iowa (in their Writer’s Workshop), Harvard University, Princeton University, the University of Cincinnati, and the University of Minnesota, where he spent the majority of his career, except for his sabbatical year in 1962-3, when he taught at Brown University. Some of his illustrious students included W. D. Snodgrass, William Dickey, Donald Justice, Philip Levine, Robert Dana, Jane Cooper, Donald Finkel, and Henri Coulette. Philip Levine stated, in a recorded interview from 2009, that Berryman took his class extremely seriously and that "he was entrancing... magnetic and inspiring and very hard on [his students’] work... [and] he was [also] the best teacher that I ever had". Berryman was fired from the University of Iowa after a fight with his landlord led to him being arrested, jailed overnight, and fined for disorderly conduct and public intoxication. He turned to his friend, the poet Allen Tate, who helped him get his teaching job at the University of Minnesota. Berryman was married three times. And according to the editors of The Norton Anthology of Modern Poetry, he lived turbulently. During one of the many times he was hospitalized in order to detox from alcohol abuse, in 1970, he experienced what he termed “a sort of religious conversion”. According to his biographer Paul Mariani, Berryman experienced “a sudden and radical shift from a belief in a transcendent God... to a belief in a God who cared for the individual fates of human beings and who even interceded for them.” Nevertheless, Berryman continued to abuse alcohol and to struggle with depression, as he had throughout much of his adult life, and on the morning of January 7, 1972, he killed himself by jumping from the Washington Avenue Bridge in Minneapolis, Minnesota, onto the west bank of the Mississippi River. Newspaper reports of the event indicate that he missed the water and smothered in mud. Poetry Berryman’s poetry, which often revolved around the sordid details of his personal problems (in The Dream Songs but also in his other poems as well) is closely associated with the Confessional poetry movement. In this sense, his poetry had much in common with the poetry of his friend, Robert Lowell. The editors of The Norton Anthology of Modern Poetry note that “the influence of Yeats, Auden, Hopkins, Crane, and Pound on him was strong, and Berryman’s own voice—by turns nerve-racked and sportive—took some time to be heard.” Berryman’s first major work, in which he began to develop his own unique style of writing, was Homage to Mistress Bradstreet, published in 1956. In the long, title poem, which first appeared in Partisan Review in 1953, Berryman addressed the 17th century American poet Anne Bradstreet, combining the history of her life with his own fantasies about her (and inserting himself into the poem). Joel Athey noted, “This difficult poem, a tribute to the Puritan poet of colonial America, took Berryman five years to complete and demanded much from the reader when it first appeared with no notes. The Times Literary Supplement hailed it as a path-breaking masterpiece; poet Robert Fitzgerald called it ‘the poem of his generation.’” Edward Hirsch observed that "the 57 stanzas of Homage to Mistress Bradstreet combine the concentration of an extended lyric with the erudition and amplitude of a historical novel". Berryman’s major poetic breakthrough came after he began to publish the first volume of The Dream Songs, 77 Dream Songs, in 1964. The dream song form consisted of short, eighteen-line lyric poems in three stanzas. The poems are written in free verse although some stanzas contain irregular rhyme. 77 Dream Songs (and its sequel His Toy, His Dream, His Rest) centers on a character named “Henry” who bears a striking resemblance to John Berryman. However, Berryman was careful about making sure that his readers realized that “Henry” was not his equivalent, but rather a fictional version of himself (or a literary alter ego). In an interview, Berryman stated, “Henry does resemble me, and I resemble Henry; but on the other hand I am not Henry. You know, I pay income tax; Henry pays no income tax. And bats come over and they stall in my hair—and fuck them, I’m not Henry; Henry doesn’t have any bats.” In The New York Times review of 77 Dream Songs, John Malcolm Brinnin praised the book, declaring that "[the book’s] excellence calls for celebration". And in The New York Review of Books, Robert Lowell also reviewed the book, writing, “At first the brain aches and freezes at so much darkness, disorder and oddness. After a while, the repeated situations and their racy jabber become more and more enjoyable, although even now I wouldn’t trust myself to paraphrase accurately at least half the sections.” In response to the perceived difficulty of the dream songs, in his 366th “Dream Song”, Berryman facetiously wrote, "These Songs are not meant to be understood, you understand. / They are only meant to terrify & comfort". In His Toy, His Dream, His Rest, many of the dream songs are elegies for Berryman’s recently deceased poet friends, including Delmore Schwartz, Randall Jarrell, and Theodore Roethke. Since this volume contained four times the number of poems that appeared in the previous volume, Berryman covered a lot more subject matter. For instance, in addition to the elegies, Berryman writes about his trip to Ireland as well as his own burgeoning literary fame. Berryman’s last two volumes of poetry, Love & Fame and Delusions, Etc. featured free-verse poems that were much more straightforward and less idiosyncratic than The Dream Songs. Prior to the publication of Love & Fame, Berryman sent his manuscript to several peers for feedback, including the poets Adrienne Rich and Richard Wilbur, both of whom were disappointed with the poems which they considered inferior to the poems in The Dream Songs. However, a number of Berryman’s old friends and supporters, including the novelist Saul Bellow and the poets Robert Lowell and William Meredith, offered high praise for a number of the Love & Fame poems. Both Love & Fame and Delusions, Etc. were more openly “confessional” than Berryman’s earlier verse, and since he embraced religion when he wrote these volumes, he also explored the nature of his spiritual rebirth in poems like “Eleven Addresses to the Lord” (which Lowell thought was one of Berryman’s best poems and “one of the great poems of the age”), as a well as “Certainty Before Lunch”. In 1977 John Haffenden published Henry’s Fate & Other Poems, a selection of dream songs that Berryman wrote after His Toy, His Dream, His Rest, but had never published. In reviewing the book, Time magazine noted, “Posthumous selections of unpublished poetry should be viewed suspiciously. The dead poet may have had good aesthetic reasons for keeping some of his work to himself. Fortunately, Henry’s Fate does not malign the memory of John Berryman”. Berryman’s Collected Poems—1937-1971 edited and introduced by Charles Thornbury, was published in 1989. However, Robert Giroux decided to leave out The Dream Songs from the collection. In his review of the Collected Poems, Edward Hirsch commented on this decision, stating, "It is obviously practical to continue to publish the 385 dream songs separately, but reading the Collected Poems without them is a little like eating a seven-course meal without a main course." Hirsch also notes that, "[Collected Poems features] a thorough nine-part introduction and a chronology as well as helpful appendixes that include Berryman’s published prefaces, notes and dedications; a section of editor’s notes, guidelines and procedures; and an account of the poems in their final stages of composition and publication.” In 2004, the Library of America published John Berryman: Selected Poems, edited by the poet Kevin Young. In Poetry magazine, David Orr wrote: Young includes all the Greatest Hits [from Berryman’s career]... but there are also substantial excerpts from Berryman’s Sonnets (the peculiar book that appeared after The Dream Songs, but was written long before) and Berryman’s later, overtly religious poetry. Young argues that “if his middle, elegiac period... is most in need of rediscovery, then these late poems are most in need of redemption.” It’s a good point. Although portions of Berryman’s late work are sloppy and erratic, these poems help clarify the spiritual struggle that motivates and sustains his best writing. After surveying Berryman’s career and accomplishments, the editors of The Norton Anthology of Modern Poetry stated, “What seems likely to survive of his poetry is its pungent and many-leveled portrait of a complex personality which, for all its eccentricity, stayed close to the center of the intellectual and emotional life of the mid-century and after.” In popular culture The ghost of John Berryman is a character in Thomas Disch’s novel The Businessman: A Tale of Terror, published in 1984. The Hold Steady’s song “Stuck Between Stations” from the 2006 album Boys and Girls in America relates a loose rendition of Berryman’s death, describing the isolation he felt, despite his critical acclaim, and depicting him walking with “the devil” on the Washington Avenue Bridge where he committed suicide. Okkervil River’s song “John Allyn Smith Sails” from their 2007 album The Stage Names is about John Berryman. Australian singer/songwriter Nick Cave has admiringly referenced Berryman in the song “We Call Upon the Author” from the 2007 album Dig, Lazarus, Dig!!!. Phish bassist Mike Gordon’s side-project band has performed "Dream Song 22-'Of 1826", releasing it on a live album, The Egg. Additionally, on March 30, 2014, their show featured a rendition of “The Poet’s Final Instructions”. Berryman and his poem Dream Song 235 is referenced in Elizabeth Strout’s novel and HBO’s adaption of Olive Kitteridge with the quote "Save us from shotguns & fathers’ suicides.” Berryman and his poem “The Curse” are referenced in the prologue of Tracy Letts’s play August: Osage County by the character Beverly, a poet who later commits suicide. Bibliography * Poems. Norfolk, Ct.: New Directions Press, 1942. * The Dispossessed. New York: William Sloan Associates, 1948. * Stephen Crane. New York: Sloan, 1950. * Homage to Mistress Bradstreet. New York: Farrar, Straus & Giroux, 1956. * 77 Dream Songs. New York: Farrar, Straus & Giroux, 1964. * Berryman’s Sonnets. New York: Farrar, Straus & Giroux, 1967. * His Toy, His Dream His Rest. New York: Farrar, Straus & Giroux, 1968. * The Dream Songs. New York: Farrar, Straus & Giroux, 1969. * Love & Fame. New York: Farrar, Straus & Giroux, 1970. * Delusions, Etc. New York: Farrar, Straus & Giroux, 1972. * Recovery. New York: Farrar, Straus & Giroux, 1973. * The Freedom of the Poet. New York: Farrar, Straus, & Giroux, 1976. * Henry’s Fate & Other Poems, 1967-1972. New York: Farrar, Straus, & Giroux, 1977. * Collected Poems 1937-1971. Ed. Charles Thornbury. New York: Farrar, Straus & Giroux, 1989. * Berryman’s Shakespeare. Ed. John Haffenden. New York: Farrar, Straus & Giroux, 1999. * Selected Poems. Ed. Kevin Young. New York: Library of America, 2004. * The Heart Is Strange. Ed. Daniel Swift. New York: Farrar, Straus & Giroux, 2014. References Wikipedia—https://en.wikipedia.org/wiki/John_Berryman

Juan Rufo Gutiérrez​ (Córdoba, 1547-ibídem, 1620) fue un escritor y soldado español. Era hijo de un tintorero apellidado Rofos. Viajó a Portugal para esconderse por ciertas irregularidades administrativas. Cambió su apellido Gutiérrez en Rufo, variando el Rofos de su padre. Vivió en Toledo y en Sevilla, en Madrid y en Nápoles. Perdió buenamente el tiempo como estudiante en Salamanca. Sufrió varios encarcelamientos por aventuras galantes y toda su vida fue una lucha continua por salir de sus deudas de juego.

Federico Balart Elgueta (Pliego (Murcia) 22 de octubre de 1831 - Madrid, 11 de abril de 1905), periodista, poeta, crítico de arte, crítico teatral y humorista español vinculado al Realismo. En su carrera política en la estela republicana llegó a Consejero de Estado. Llegó a Madrid con 19 años para estudiar Derecho. Sus primeras críticas literarias aparecieron en el periódico La Verdad de Murcia, hacia 1861 y firmando con el pseudónimo de 'Nadie'. En 1870 fue nombrado subsecretario del Ministerio de la Gobernación y posteriormente Consejero de Estado, diputado en Cortes por Granada en 1872 y, entre 1872 y 1873, senador por Castellón de la Plana. También trabajó como contable en el Banco de España y fue censor y director artístico en el Teatro Español. Colaborador habitual en La Democracia y en Gil Blas, alcanzó fama y respeto como crítico de arte y de teatro, ocupando un sillón en la Academia en 1891. Su matrimonio con la viuda Dolores Anza, y la temprana muerte de ella en 1879, fueron la materia poética del libro Dolores, publicado en 1894 y que conoció un éxito inusitado. Balart murió en Madrid, a los 73 años de edad. Obras Además del fondo elegíaco de Dolores, Balart desarrolla una poética sobre el sentido de la existencia, la fe y la inmortalidad, lo que le supuso ácidas críticas del clero, e incluso de escritores de juventud anarquista como José Martínez Ruiz, "Azorín", quien en su Charivari le acusó de ser un poeta "sin inspiración, prosaico, horriblemente difícil e insincero".1 También escribió el ensayo titulado Literatura y Arte y otros libros líricos como Novedades de antaño y Horizontes, además de los póstumos: Sombras y destellos y Fruslerías.2 Memoria En Pliego se le dedicó una calle y un busto en la Glorieta. También tiene calles en Mula y en el barrio de San Antolín en Murcia.3 El instituto de educación secundaria de Pliego tiene su nombre. Wikipedia-https://es.wikipedia.org/wiki/Federico_Balart

Considerado el poeta de la resurrección nacional Victorino Abente y Lagos nació en Mugía, España, el 2 de junio de 1846. LLegó al Paraguay cuando aún estaban calientes los rescoldos que dejaba a su paso la gran epopeya que enfrentó al país y a la triple alianza, entre 1864 y 1870. Aunque gallego de nacimiento, su vida y su obra se identifican con el Paraguay desde su misma llegada a Asunción, en marzo de 1869, en momentos difíciles y trágicos de la historia paraguaya, cuando tropas aliadas, brasileñas y argentinas, ocupaban la capital paraguaya. Primeros pasos Relacionado con el segundo tramo del romanticismo paraguayo, que se inicia con la posguerra del ‘64-’70, y aún con el posromanticismo, colaboró en varios periódicos de la capital, donde también publicó gran parte de su obra poética. Creador de poemas dedicados al renacer de su nueva patria y apropiadamente conocido como el “poeta de la resurrección nacional”, tuvo la suerte de ver triunfante al Paraguay en su guerra contra Bolivia, meses antes de su muerte. Trayectoria Sus poemas, dispersos en diversos periódicos y revistas de aquella época, fueron recopilados y publicados póstumamente en Asunción por su nieto Cándido Samaniego Abente en un volumen titulado “Antología poética: 1867-1926”, aparecido en 1984. Acerca de su obra, escribió el ilustre intelectual Ignacio A. Pane: “Entonó el canto más hermoso, más apasionado, más entusiasta y más poético, en una palabra, que hasta ahora escritores y maestros han dirigido al Paraguay... Llevado en alas de su inspiración hasta la cima de nuestro pasado, hizo que la “Sibila paraguaya” asentare allí el pie y tendiera el dedo anunciador del profeta, para mostrarle la tierra de promisión del porvenir...” Últimos años Casado con Isabel Miskowsky, Victorino Juan Ramón Abente y Lago falleció en Asunción el 22 de diciembre de 1935. OBRAS Sus poemas más notables son: * “Sibila paraguaya”, * “El oratorio de la Virgen de la Asunción”, * “La tejedora de Ñandutí”, * “El Salto del Guairá”, * “Mis dos patrias” y docenas de obras más. Referencias Wikipedia - http://es.wikipedia.org/wiki/Victorino_Abente_y_Lago Don Victorino Abente y el romanticismo paraguayo La vida J, la obra de Don Victorino Abente están relacionadas con el segundo tramo del romanticismo nacional, que se inicia con la posguerra del 70, asistiendo luego al prolongado quehacer del novecentismo y al auge de la corriente modernista en toda su extensión. Ese largo existir de casi noventa años, le permitirá ser a la vez actor y testigo de las sucesivas etapas de un proceso literario, que recién asumiría distintas formas después de otra posguerra: la del Chaco, al cabo de la cual surgen distintas manifestaciones poéticas, principalmente, que serán reconocidas con la denominación, no muy ajustada, de vanguardia. Puede afirmarse que él fue uno de los mentores intelectuales de aquellos jóvenes que iniciaban sus estudios en la última década del siglo anterior y uno de los que, sin haber actuado en la enseñanza, supo ser guía de gustos y estilos literarios que predominarán hasta el 900, y un poco más allá. Y no es de descartar que estos coincidieran a la vez con los propios de los maestros españoles de la cultura paraguaya moderna, sus connacionales y, en algunos casos, sus correligionarios en el ideal republicano. La compilación que ahora se ofrece, ceñida a su expresión poética, permite comprobar que si bien el tiempo ha hecho su erosión en todo lo que, confinando en el epigrama o la sátira, exponía sus preferencias hacia el color local, una especie de incipiente costumbrismo - pero en verso - ha dejado intactos, sin embargo, ciertos valores que se asientan en la propensión lírica y en los temas descriptivos. Conviene aclarar esto para que sus composiciones espontáneas, por cierto de tipo “festival", no sean tomadas como la parte determinante de su vocación de escritor. Porque este poeta hispano-paraguayo -quizá a él le hubiera agradado más la calificación de “galaico” - asumió tempranamente su tarea de publicista, desde el único medio de que era posible valerse: la prensa diaria, reducida en sus inicios más a ventilar situaciones de sector que a acoger inquietudes de interés general. A pesar de ello, los penosos e incipientes pasos de aquella primera posguerra, encontrarán su rumbo en ese periodismo, de que Don Victorino participara con asiduo entusiasmo. Fue así que su contacto con el ambiente resultó in-mediato. No tuvo el joven español mucho espacio, en aquellos comienzos, para meditar sobre el destino que habría de asumir y al hacerlo quiso sumar, no sólo su entendimiento y su capacidad creadora al renacer de su nueva patria, sino su efusión poética, nacionalizándola, como expresara con verdad y en ocasión memorable de Don Manuel Gondra. Sus cantos paraguayos sirvieron de compensación a dolores populares aún recientes, y de norte para quienes, no sin desvelado asedio, buscarían las huellas perdidas y la trama quebrada para recomenzar, o en algún aspecto inaugurar, la vigencia de una literatura que tanto en lo propio como en lo extraño, había dejado de manifestarse y de cuya ausencia se lamentara, por aquel entonces, Don José Segundo Decoud. Y esa quiso ser la militancia de Don Victorino, anudada a una difusión intelectual, que no conociera pausas y en la cual supieron verse reflejadas las promociones que llegaron más tarde. Compañero de los promotores del segundo grupo romántico- o sea el de los nacidos entre 1840 y 1850, de los que fuera coetáneo- y aún de los integrantes del posromanticismo, lo fue igualmente y de algún modo de los novecentistas, muchos de los cuales compartieron en los inicios su orientación literaria, en tanto que otros se limitaron a respetarlo y admirarlo. Esa admiración y ese respeto hacia el “poeta de la resurrección nacional”- como se lo llamara con justicia - ganaron a la vez a los epígonos del modernismo y a los que vislumbraban ya su distinto camino. Sin él no hubiera sido tan fácil incorporar la temática de la tierra y de la historia a un ambiente sobre el que se habían enseñoreado, y no por culpa propia, la desolación y la tristeza. A este respecto no estará de más recordar que serié el magisterio de Abente el que posibilitara la reivindicación patriótica de O'Leary, en alguna medida discípulo suyo, hasta en aquella denominación de “cantor de las glorias nacionales”; de la que Don Victorino es precursor. Y no sólo se le debe el haber arrojado luz sobre ese capítulo de nuestra evolución poética, pues la naturaleza paraguaya - aves, flores, frutos - hallará en él a un rescatador memorioso que diera en celebrarla, como lo hizo con gentes y ciudades (Asunción, Areguá) en un intento de rehacer, desde la penumbra de las edades que fueron la imagen de un Paraguay que sus versos ayudarían a renacer. Las divisiones a que ha sido sometida esta antología, quieren de tal manera, y con buen criterio, simbolizar los diferentes niveles de esa pasión creadora. Mucho de lo que falta por saber de los trajines personales y literarios de Don Victorino, y en especial de sus trabajos en prosa, que gozan - en cuanto a lo frecuentado - tanto de la amable y episódica condición de las escenas de Mesonero Romano, como, y en mucho, de la cáustica actitud de Larra, plena de una ironía que el escritor gallego quiso derivar hacia una risueña crítica de costumbres, que volcara asimismo en su poesía, a ratos silvestre y a ratos bucólica, sentida en la proximidad del neoclasicismo de Meléndez Valdez, aunque una insensible onda romántica lo acercara, sin quizá intuirlo, al influjo de Quintana o Espronceda, siendo escaso lo que de Bécquer surge en él. Y ya se sabe que entre el autor del "Canto a Teresa" y de las rimas, pueden divisarse los extremos del romanticismo paraguayo, posterior al 70 y hasta el primer lustro del 900, Víctor Hugo, aparte, desde luego. Don Victorino volvió por dos veces a su tierra natal, con familia ya formada en la nuestra. En vano intentaría sacudir su techaga'ú (perdón, su morriña) en versos escritos en la lengua que honraran Rosalía y Castelao y en vano pasearía su mirada sobre los verdes campos y el limpio cielo que contemplaran la inusitada andanza de Don Ramón del Valle Inclán, pues algo sin duda le decía que el final de sus días estaba aquí. Su corazón parecía sentir más que el peso de los recuerdos hispánicos, la evidencia de una vida paraguaya de la que no le era dado, desentenderse. Y siendo así, no le fue difícil volver. Escritor paraguayo, de indudable identificación - digámoslo en honra nuestra - este hijo de Galicia, arribado en plena juventud a estas calcinadas orillas de nuestra América, y muerto en alta ancianidad cuando en el Chaco se manifestaba de nuevo, en trance de heroísmo, una época que habría, requerido los esplendores de su inspiración para justificarse. La vida y la obra de Don Victorino Abente, expuestas ahora al conocimiento y a la avidez de lectores y estudiosos, bien valen -más allá de sus añejas páginas - por un ejemplo y una lección. (En Isla Valle, de Areguá, Raúl Amaral a 16 de Agosto de 1984) Referencias Portal Guaraní - www.portalguarani.com/obras_autores_detalles.php?id_obras=14161

Alberto Lamar Schweyer fue un escritor precoz. Ya en 1918 —con solo dieciséis años—, ingresó en la redacción del Heraldo de Cuba y en 1920 comienza a asistir a la tertulia del café Martí junto a otros intelectuales entre los que se encontraba Rubén Martínez Villena, Enrique Serpa, Enrique Núñez Olano, Juan Marinello, José María Uncal y Julio Sigüenza —los dos últimos, españoles. Lamar Schweyer colaboró en El Fígaro (1921-1929) con treinta y cinco textos, escribió en El Mundo (alrededor de 1922-1923); en 1924 pasó a El Sol, periódico comprado por Machado para su propaganda electoral. En el propio año dio a la luz diez artículos y llegó a ser Subdirector. Fue uno de los redactores y directores de la revista de izquierdas Venezuela Libre (1925), que se publicaba en La Habana y estuvo entre los seis redactores de la Revista Parlamentaria de Cuba. La figura de Alberto Lamar Schweyer suele ser olvidada o ignorada por razones ya establecidas, asociadas al proceso de desarrollo del minorismo habanero. La selección en la distancia histórica lo estigmatiza como "el traidor de los minoristas" —llamado así por Alejo Carpentier en el texto "Un ascenso de medio siglo". Miembro del Grupo Minorista desde la Protesta de los Trece, rompió con el mismo en 1927, por diferencias ideológicas con el resto de los integrantes. Su salida se vislumbró cuando El Fígaro, el 6 de febrero de 1927 , publicó un fragmento del libro Biología de la democracia, texto que apoyaba teóricamente a las dictaduras y con el cual le daba un espaldarazo a la prórroga de poderes de Machado, y por la misiva que le envió al destacado periodista Ramón Vasconcelos, que publicó El País el 4 de mayo de 1927; estos hechos motivaron en gran medida la "Declaración" de 1927, que reprodujo la revista Carteles el 22 de mayo de 1927 y la revista Social en junio del mismo año. En este número aparece el resultado de un incidente personal que causó la carta insultante de Lamar Schweyer dirigida a Vasconcelos. Referencias Ecured – https://www.ecured.cu/Alberto_Lamar_Schweyer

Susan Frances Harrison née Riley (February 24, 1859– May 5, 1935) (a.k.a. Seranus) was a Canadian poet, novelist, music critic and music composer who lived and worked in Ottawa and Toronto. Life Susie Frances Riley was born in Toronto of Irish-Canadian ancestry, the daughter of John Byron Riley. She studied music with Frederic Boscovitz, at a private school for girls in Toronto, and later in Montreal. She reportedly began publishing poetry, in the Canadian Illustrated News, at 16 under the pseudonym “Medusa.” After completing her education, she worked as a pianist and singer. In 1880 she married organist John W. F. Harrison, of Bristol, England, who was the organist of St. George’s Church in Montreal. The couple had a son and a daughter. The Harrisons lived in Ottawa in 1883, when Susie Harrison composed the song “Address of Welcome to Lord Lansdowne” to celebrate the first public appearance of the new Governor General, the Marquess of Lansdowne. In 1887 the Harrisons moved to Toronto, where John Harrison became organist and choirmaster of St. Simon the Apostle, and Susan Harrison began a literary career under the pseudonym “Seranus” (a misreading of her signature, “S. Frances”), soon publishing articles in “many of the leading journals and periodicals.” She wrote a number of songs published in the United States and England under the name Seranus, and published other songs in England under the name, Gilbert King. She was the music critic of The Week from December 1886 to June 1887 under her pen-name of Seranus. She wrote the “Historical sketch on Canadian music” for the 1898 Canada: An Encyclopedia of the Country. Susan Harrison was considered an authority on folk music, and often lectured on the subject. She used traditional Irish melodies in her String Quartet on Ancient Irish Airs, and French-Canadian music in her 1887 Trois Esquisses canadiennes (Three Canadian Sketches), ‘Dialogue,’ ‘Nocturne,’ and 'Chant du voyageur’. She also incorporated French-Canadian melodies in her three-act opera, Pipandor (with libretto by F.A. Dixon of Ottawa). Her String Quartet on Ancient Irish Airs, is likely the first string quartet composed in Canada by a woman. In 1896 and 1897 she presented a series of well-received lectures in Toronto on "The Music of French Canada. For 20 years Harrison was the principal of the Rosedale branch of the Toronto Conservatory of Music. During the 1900s she contributed to and edited the Conservatory’s publication Conservatory Monthly, and contributed to its successor Conservatory Quarterly Review. She wrote the article on “Canada” for the 1909 Imperial History and Encyclopedia of Music. In addition, she wrote at least six books of poetry, and three novels. Writing Poetry Harrison’s musical training is reflected in her poetry: “she was adept in her handling of the rhythmic complexities of poetic forms such as the sonnet and the villanelle. Like other Canadian poets of the late nineteenth century, her prevailing themes include nature, love, and patriotism. Her landscape poetry, richly influenced by the works of Charles G.D. Roberts and Archibald Lampman, paints the Canadian wilderness as beguilingly beautiful yet at the same time mysterious and distant.” Harrison was a master of the villanelle. The villanelle was a French verse form that had been introduced to English readers by Edmund Gosse in his 1877 essay, “A Plea for Certain Exotic Forms of Verse”. Novels Her two novels “articulate a fascination with a heavily mythologized Quebec culture that Harrison shared with many English-speaking Canadians of her time... characterized by a gothic emphasis on horror, madness, aristocratic seigneurial manor houses, and a decadent Catholicism.” “Harrison writes elegiacally of a regime whose romantic qualities are largely the creation of an Upper Canadian quest for a distinctive historical identity.” Recognition Harrison experienced a decline in reputation in her lifetime. In 1916 anthologist John Garvin called her “one of our greater poets whose work has not yet had the recognition in Canada it merits.”. "By 1926, Garvin describes her merely as 'one of our distinctive poets’.” The Dictionary of Literary Biography wrote of Susan Frances Harrison, in 1990, that “Harrison’s unpublished work has not been preserved, her published work is out of print and difficult to obtain, and her once-substantial position in the literary life of her country is now all but forgotten.” Publications Selected songs * Song of Welcome. * Pipandor. opera * ‘Trois Esquisses canadiennes: ’Dialogue,' ‘Nocturne,’ 'Chant du voyageur’. 1887. * Quartet on Ancient Irish Airs. Poetry * Four Ballads and a Play. Toronto: Author, 1890. * Pine, Rose and Fleur De Lis. Toronto: Hart, 1891. * In Northern Skies and Other Poems. Toronto: Author, 1912. * Songs of Love and Labor. Toronto: Author, 1925. * Later Poems and New Villanelles. Toronto: Ryerson, 1928. * Penelope and Other Poems. Toronto: Author, 1934. * Bibliographical information on poems from Wanda Campbell, Hidden Rooms. Prose * Crowded Out and Other Sketches. Ottawa: Evening Journal, 1886. * The Forest of Bourg-Marie, novel. Toronto: G.N. Morang, 1898. * Ringfield, novel. London: Hodder & Stoughton, 1914. Edited * Canadian Birthday Book. Toronto: Robinson, 1887. Poetry anthology. Articles * “Historical sketch of music in Canada,” Canada: An Encyclopedia of the Country, vol 4, J.C. Hopkins ed., Toronto, 1898. * “Canada,” The Imperial History and Encyclopedia of Music, vol 3: History of Foreign Music, W.L. Hubbard ed., New York ca 1909. Discography * Harrison’s piano music has been recorded and issued on media, including: * Keillor, Elaine. By a Canadian Lady Piano Music 1841-1997 Carleton Sound * Keillor, Elaine. Piano Music by Torontonians (1984) References Wikipedia—https://en.wikipedia.org/wiki/Susie_Frances_Harrison

Marie Durand Michel Agénor Altaroche est né le 18 avril 1811 à Issoire (Puy-de-Dôme), mort le 13 mai 1884 à Vaux, commune de Méry-sur-Oise (Val-d'Oise). Il fut un journaliste, chansonnier et homme de lettres français, commissaire du Gouvernement provisoire pour le Puy-de-Dôme en 1848, représentant de ce même département à l’Assemblée constituante de 1848. Biographie Le journaliste engagé Fils d'un avocat de renom qui le destinait au barreau, Agénor Altaroche se rend après la révolution de Juillet à Paris pour étudier le droit. Dans l’atmosphère de fronde qui prévaut alors, il abandonne ses études pour se consacrer au journalisme et collabore avec enthousiasme à la presse républicaine, dont les titres se multiplient : Le Courrier des électeurs (1830), Les Communes (1831), La Révolution de 1830, La Tribune, Le Populaire, Le Diable boiteux, Le National. En 1832, il entre au quotidien satirique Le Charivari, et en 1834 succède à Louis Desnoyers comme rédacteur en chef de ce journal. Par la suite, il donnera des feuilletons au Commerce, au Courrier français et au Siècle. Outre ses articles dans la presse périodique, il fait paraître plusieurs brochures politiques, dont en 1830 La Chambre et les écoles, une satire en vers où la majorité parlementaire est accusée d'avoir trahi les promesses de juillet. Il compose des textes de chansons satiriques dirigés contre le régime en place. "Nés du journalisme", ces textes qui en "gardent le cachet" sont réunis en 1835 dans un recueil intitulé Chansons et vers politiques1 où l'on trouve notamment "La fête à l'hôtel de ville" et "Le prolétaire", dédié à Etienne Cabet. Composé "sous l'empire des lois de septembre", un second volume, Nouvelles chansons politiques paraît l'année suivante avec un succès qui justifia plusieurs tirages. En 1833, lors de l'anniversaire de l'Insurrection républicaine à Paris en juin 1832, il signe en hommage aux victimes des événements un poème intitulé 6 juin ! Le deuil publié sous l'égide de la Société des droits de l'homme et du citoyen. L'homme de lettres Écrivain fécond, son activité s'exerce dans des genres variés : comédies-vaudevilles avec Lestocq ou le retour de Sibérie (1836, en collab. Avec M.Laurencin) et Le corrégidor de Pampelune (1843, en collab. Avec Moléri), récits avec Contes démocratiques, dialogues et mélanges (1837) et Aventures de Victor Augerol (1838), roman imité des aventures du chevalier Faublas de Louvet de Couvray. Il participe à plusieurs ouvrages collectifs, dont Paris révolutionnaire (1833-1834) avec une étude sur le moyen âge, "Peste contre peste", et Paris au xixe siècle (1839), recueil de scènes de la vie parisienne ("L’avoué de Paris", "Commissaires de police"). En 1840 paraît son ouvrage La Réforme et la Révolution, une étude historiques en deux parties sur le pape Alexandre VI et Louis XV. Il contribue au Dictionnaire politique dirigé par Étienne Garnier-Pagès et collabore à L’Almanach populaire de la France. En 1837, il a pris part à la fondation de la Société des gens de lettres (1837) dont il sera régulièrement élu au comité organisateur. En 1844, il loge au n°16, cité Bergère. Son rôle politique en 1848 Après le 24 février 1848, il est envoyé au titre de commissaire du gouvernement provisoire pour représenter la République dans le département du Puy-de-Dôme, du 6 mars au 8 mai 1848, où il exerça une action modératrice visant à garantir l'ordre et la liberté tout en luttant contre les adversaires du régime de février. Porté candidat républicain aux élections du 23 avril 1848 à l'Assemblée constituante, il est élu très largement (avec 110 000 voix sur 125 452 votants) représentant du peuple pour le Puy de Dôme. À l'Assemblée, il siège avec les républicains modérés et soutient le général Cavaignac, mais déplore la répression qui suivit les Journées de juin. Non réélu en 1849 à l’Assemblée législative, il quitte la vie politique et prend la direction du Théâtre de l'Odéon de 1850 à 1852, puis s'associe avec Louis Huart au lancement du Théâtre des Folies-Nouvelles ; c'est sur cette scène qu'est créée en 1857 sa pièce La Coiffure de Cassandre, une opérette en un acte imitée d'Achim von Arnim. Les références Wikipedia—https://fr.wikipedia.org/wiki/Ag%C3%A9nor_Altaroche

Ricardo Eufemio Molinari fue un poeta argentino nacido el 23 de marzo de 1898 y fallecido el 31 de julio de 1996. Molinari nació en Buenos Aires, y quedó huérfano cuando tenía cinco años, viviendo después con su abuela, Bartola Delgado de Molinari. Abandonó sus estudios para convertirse en un precoz poeta. Su primera obra fue El Imaginero (1927). Contribuyó a la revista de vanguardia Martín Fierro, al igual que otros grandes escritores argentinos como Jorge Luis Borges. En 1933 viajó a España donde se reunió con los miembros de la Generación del 27. Después de casarse, trabajó en el Congreso de la Nación hasta su jubilación. Fue premiado en 1958 con el Premio Nacional de Poesía por su trabajo Unida Noche y se convirtió en un miembro de la Academia Argentina de las Letras en 1968. Principales obras * El Imaginero, (1927) * Hostería de la rosa y el clavel, 1933 * Una rosa para Stefan George, 1934 * El Tabernáculo, 1937 * La tierra y el héroe, 1939 * La corona, 1939 * El alejado, 1943 * Mundos de la madrugada, 1943 * El huésped y la melancolía, 1946 * Esta rosa oscura del aire, 1949 * Días donde la tarde es un pájaro, 1954 * Cinco canciones a una paloma que es el alma, 1955 * Oda a la pampa, 1956 * Un día, el tiempo y las nubes, 1964 * La hoguera transparente, 1970 *La Escudilla, 1973 * Las sombras del pájaro tostado, 1975 Referencias Wikipedia - http://es.wikipedia.org/wiki/Ricardo_Molinari

El anatomista y poeta, doctor José Varela Zequeira, nació en Camagüey en 1854. Se graduó de médico de la Universidad de La Habana en 1887. Colaboró en Arpas Amigas junto a Esteban Borrero Echevarría, Diego Vicente Tejera y los hermanos Francisco y Antonio Sellén, y en las revistas Cuba Contemporánea, Cuba y América, y Revista Bimestre Cubana. Emigró a Costa Rica con el estallido de la guerra y regresó a Cuba en 1898. Obtuvo la cátedra de Anatomía Descriptiva y Disección en Facultad de Medicina, de la Universidad de La Habana, en 1900. Referencias El Camagüey

Thomas Ernest Hulme (16 September 1883– 28 September 1917) was an English critic and poet who, through his writings on art, literature and politics, had a notable influence upon modernism. He was an aesthetic philosopher and the 'father of imagism’. Early life Hulme was born at Gratton Hall, Endon, Staffordshire, the son of Thomas and Mary Hulme. He was educated at Newcastle-under-Lyme High School, and from 1902, St John’s College, Cambridge, where he read mathematics, but was sent down in 1904 after rowdy behaviour on Boat Race night. He was thrown out of Cambridge a second time after a scandal involving a Roedean girl. He returned to his studies at University College, London before travelling around Canada and spending time in Brussels acquiring languages. Proto-modernist From about 1907 Hulme became interested in philosophy, translating works by Henri Bergson and sitting in on lectures at Cambridge. He translated Georges Sorel’s Reflections on Violence. The most important influences on his thought were Bergson, who asserted that 'human experience is relative, but religious and ethical values are absolute’ and, later, Wilhelm Worringer (1881–1965), German art historian and critic - in particular his Abstraktion und Einfühlung (Abstraction and Empathy, 1908). Hulme was influenced by Remy de Gourmont’s aristocratic concept of art and his studies of sensibility and style. From 1909 Hulme contributed critical articles to The New Age, edited by A. R. Orage. Hulme developed an interest in poetry and wrote a small number of poems. He was made secretary of the Poets’ Club, attended by such establishment figures as Edmund Gosse and Henry Newbolt. There he encountered Ezra Pound and F. S. Flint. In late 1908 Hulme delivered his paper A Lecture on Modern Poetry to the club. Hulme’s poems Autumn and City Sunset, both published in 1909 in a Poets’ Club anthology, have the distinction of being the first Imagist poems. A further five poems were published in The New Age in 1912 as The Complete Poetical Works of T.E. Hulme. Despite this misleading title, Hulme in fact wrote about 25 poems totalling some 260 lines, of which the majority were possibly written between 1908–1910. Robert Frost met Hulme in 1913 and was influenced by his ideas. The publisher of the book 'Ripostes’ (to which Pound appended the 'complete’ poetical works of T. E. Hulme) spoke in that book of Hulme ‘the meta-physician, who achieves great rhythmical beauty in curious verse-forms.’ In his critical writings Hulme distinguished between Romanticism, a style informed by a belief in the infinite in man and nature, characterised by Hulme as “spilt religion”, and Classicism, a mode of art stressing human finitude, formal restraint, concrete imagery and, in Hulme’s words, “dry hardness”. Similar views were later expressed by T.S. Eliot. Hulme’s ideas had a major effect on Wyndham Lewis (quite literally when they came to blows over Kate Lechmere; Lewis ended the worse for it, hung upside down by the cuffs of his trousers from the railings of Great Ormond Street). He championed the art of Jacob Epstein and David Bomberg, was a friend of Gaudier-Brzeska, and was in on the debut of Lewis’s literary magazine BLAST and vorticism. Hulme’s politics were conservative, and he moved further to the right after 1911 as a result of contact with Pierre Lasserre, who was associated with Action Française. First World War Hulme volunteered as an artilleryman in 1914 and served with the Honourable Artillery Company and later the Royal Marine Artillery in France and Belgium. He kept up his writing for The New Age. Notable publications during this period for that magazine were “War Notes,” written under the pen name “North Staffs”, and “A Notebook”, which contains some of his most organised critical writing. He was wounded in 1916. Back at the front in 1917, he was killed by a shell at Oostduinkerke near Nieuwpoort, in West Flanders. [...] On 28 September 1917, four days after his thirty-fourth birthday, Hulme suffered a direct hit from a large shell which literally blew him to pieces. Apparently absorbed in some thought of his own he had failed to hear it coming and remained standing while those around threw themselves flat on the ground. What was left of him was buried in the Military Cemetery at Koksijde, West-Vlaanderen, in Belgium where—no doubt for want of space—he is described simply as 'One of the War poets’.” Works * Notes on Language and Style (1929, University of Washington Book Store); in The Criterion, Vol. 3, No. 12, (July 1925) (ed. T.S. Eliot) * Speculations: Essays on Humanism and the Philosophy of Art (1936, K. Paul, Trench, Trubner & Co., Ltd.), edited by Herbert Read * Further Speculations of T. E. Hulme (1955, University of Minnesota), edited by Samuel Hynes * The Collected Writings of T. E. Hulme (1996, OUP), edited by Karen Csengeri * Selected Writings of T. E. Hulme (2003, Fyfield Books), edited by Patrick McGuinness Selected poems * Above the Dock * Autumn * A City Sunset * Conversion * The Embankment * Mana Aboda * The Man in the Crow’s Nest * Susan Ann and Immortality * The Poet * A Tall Woman * A Sudden Secret * In the Quiet Land * At Night! * Town Sky-line As translator * Henri Bergson, An Introduction to Metaphysics, (1912) * Georges Sorel, Reflections on Violence, (1915) Articles References Wikipedia—https://en.wikipedia.org/wiki/T._E._Hulme

Marcos Rafael Blanco Belmonte (1871-1936) fue un poeta, escritor y periodista español. Nació en Córdoba en 1871.​ En 1896 era redactor del periódico cordobés La Unión.2​ Posteriormente se trasladó a Madrid, donde fue redactor del periódico El Español y en 1900 pasó a ser redactor numerario de La Ilustración Española y Americana.2​ Colaboró también frecuentemente en otros semanarios ilustrados como La Lidia, El Gato Negro, Blanco y Negro y La Correspondencia de España.​ Fue miembro de la Asociación de la Prensa de Madrid. Falleció en 1936. Fue premiado en la Academia por sus poesías Al sembrar de los trigos (1914), y en el certamen de El Carhayón (1915), por La Lanza de don Quijote.​ Cejador y Frauca le describe como un «poeta castizo, de lírica objetiva y épica, sin mancillarse con el lirismo francés y sin tener tampoco nada de lo bueno que trajo el modernismo, cantó á los niños abandonados y á la Patria con fogosa elocuencia, que recuerda la de Quintana, y vena fácil, que le lleva á veces á desleír demasiadamente el pensamiento». Referencias Wikipedia – es.wikipedia.org/wiki/Marcos_Rafael_Blanco_Belmonte

Juan Bautista Arriaza y Superviela (Madrid, 27 de febrero de 1770 - ibídem, 22 de enero de 1837) fue un poeta español del Neoclasicismo y de la etapa de transición al Romanticismo. En su juventud fue oficial de marina y partidario toda su vida del absolutismo de Fernando VII. Es conocido sobre todo por sus poemas patrióticos de la Guerra de la Independencia Española y por su poema extenso erótico-festivo sobre la danza Terpsícore o las gracias del baile. Hijo tercero de Antonio de Arriaza y Orejón, un militar de alta graduación de infantería y Teresa Superviela y Leytiri, de origen italo-francés, Juan Bautista Arriaza fue bautizado el mismo día de su nacimiento en la parroquia de San Sebastián de Madrid. Cursó sus estudios primarios en el Colegio de las Escuelas Pías de San Fernando del madrileño barrio de Lavapiés. En 1781 ingresó en el Real Seminario de Nobles para seguir estudios de educación secundaria en una institución que tenía aún presente el magisterio de Jorge Juan. Al año siguiente marcha al Colegio de Artillería de Segovia donde se despierta una vocación encaminada a la Armada Real y marcha para ingresar en la Compañía de Guardamarinas de Cartagena en 1787 alcanzando el grado de alférez de fragata en 1790. Sirve en la guerra contra Francia entre 1793 y 1795, año en que se firma la paz de Basilea. Debido a su actuación en el sitio de Tolón fue ascendido en el transcurso de estas hostilidades a alférez de navío en 1794. En 1796 publica «La compasión», un himno fúnebre para las exequias del duque de Alba y al año siguiente sale a la luz en París su primer libro de versos titulado Primicias. Por esta época edita su poema «A las Bellas Artes». En febrero de 1798, Arriaza solicita la licencia para pasar a la situación de retiro alegando problemas de vista, siéndole concedido. En 1803 se encuentra en Londres como diplomático, pero la batalla de Trafalgar acabó con las buenas relaciones entre los países y debe regresar en 1805 a Madrid. En noviembre de ese mismo año escribe una obra sobre este combate titulada «La tempestad y la guerra». En 1807 publica una traducción en verso del Arte poética de Nicolás Boileau. Más tarde Arriaza marcha a París para regresar a España poco antes del levantamiento del dos de mayo en Madrid. Hasta esas fechas Arriaza se había caracterizado por una poesía ligera, amorosa y de estilo Rococó, pero con los acontecimientos de 1808 comienza a escribir entre ese año y 1810 poesía patriótica, típica de aquellas circunstancias bélicas, como su «Profecía del Pirineo», que inspiró a Francisco de Goya su cuadro El coloso (1808-1814), o «Recuerdos del Dos de Mayo». Su poesía patriótica fue muy divulgada y se transmitió oralmente entre la resistencia española. Tras el apoyo de Inglaterra a España y el consiguiente restablecimiento de las relaciones entre los dos países, Arriaza vuelve a Londres en 1810 para desempeñar de nuevo sus tareas diplomáticas. Poco después de su llegada reúne en un volumen sus Poesías patrióticas. Al siguiente año publica en edición bilingüe un escrito titulado «Observaciones sobre el sistema de guerra de los aliados en la Península Española» que granjeó para la colonia española numerosos apoyos. Manda también editar en Palma de Mallorca sus Ensayos políticos. Con la restauración absolutista fernandina, Arriaza conoce el reconocimiento oficial por su apoyo a la causa patriótica y se le nombra Académico de la Lengua. También fue elegido, en 1824, miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Obras * Primicias, 1796 * Arte poética, 1807 (traducción de L'Art poétique (1674) de Nicolás Boileau) * Poesías patrióticas, 1810 * Poesías líricas, 1829 * Terpsícore o las gracias del baile, edición moderna en Las gracias del baile, Madrid, Héroe, 1936. Referencias Wikipedia - http://es.wikipedia.org/wiki/Juan_Bautista_Arriaza

José Agustín Quintero fue periodista, diplomático, abogado, traductor, poeta y revolucionario. Nació el 6 de mayo de 1829 en La Habana. Su padre se llamó Antonio Quintero y su madre Anna Woodville, estudió en el Colegio de San Cristóbal y, según informes en la Universidad de Harvard, aunque hay constancia de él no sobrevive. Quintero fue amigo de Henry Wadsworth Longfellow y tradujo su obra y la de otros poetas, como Tensión. Se graduó de la escuela de derecho en La Habana y se convirtió en un periodista que escribe para la revolución patriota cubano.

Manuel Alcántara, nacido en Málaga el 10 de enero de 1928, es un poeta, escritor y periodista español, con una dilatada carrera profesional. Datos previos Manuel Alcántara nació en la ciudad de Málaga el 10 de enero de 1928. Por motivos laborales de su padre, tuvo que desplazarse a Madrid, donde cumpliría los 18 años y entraría en la universidad para estudiar Derecho, carrera que dejó inacabada. En la capital española conoció a quien fue su esposa, Paula Sacristán, con la que contrajo matrimonio en 1953 y tuvo a su única hija. Su esposa falleció en la provincia de Málaga el 20 de noviembre de 2007. Inicios de su carrera Su estreno poético fue en 1951, a la edad de 23 años, en el entorno de los cafés literarios Sexto recital de la III Serie de lecturas poéticas del Café Varela de Madrid. En cuanto a la prensa, su inicio fue tardío, en 1958 y con 30 años de edad en La Hora. Semanario de los Estudiantes Españoles. A partir de aquí ese momento sus colaboraciones en diversas publicaciones han sido ininterrumpidas y muy conocidas, por lo que pronto alcanzaría las cabeceras más importantes de la prensa española. Ha colaborado en los diarios Pueblo, Ya, Arriba, Marca y La Hoja del Lunes. Además, ha participado en la revista Época y en numerosos programas de Radio Nacional de España o la COPE. También ha colaborado en Televisión Española, en espacios relacionados con el fútbol, deporte del que es un gran conocedor. Desarrollo de su carrera Actualmente escribe una columna diaria que es publicada en la contraportada de diarios del Grupo Vocento (entre otros Diario Sur, El Correo y Las Provincias), como primera firma. Publicaciones Prensa Tiene en su haber más de 16.000 artículos y algunos de ellos han sido recogidos en cualquiera de sus tres antologías: * 1997: Fondo Perdido. * 1998: Vuelta de Hoja. * 2002: Málaga nuestra. Literatura En cuanto a su creación como escritor y poeta, algunas de sus obras son: * 1955: Manera de silencio. * 1961: El embarcadero. * 1961: Ciudad de entonces (Premio Nacional de Literatura en 1962). * 1963: La Mitad del tiempo. Premios A lo largo de sus más de 50 años de trayectoria profesional, Manuel Alcántara ha obtenido numerosos premios y reconocimientos. Prensa Sus artículos le han hecho merecedor entre otros de: * 1955: Premio Juventud. * 1978: Premio González-Ruano. * 1993: Premio Periodístico Comité Español de UNICEF. * 1997: Premio Javier Bueno de la Asociación de la Prensa de Madrid. * 2006: Premio El Torreón de la Fundación Wellington. Literatura Al igual que por sus columnas, debido a sus creaciones literarias ha recibido numerosos galardones entre los que destacan: * 1962: Premio Nacional de Literatura en modalidad Poesía, por Ciudad de entonces. * Premio de Poesía Mariano de Cavia. * Premio de Poesía Luca de Tena. * Premio de Poesía González Ruano. * Premio José María Pemán. * 2001: Premio La pluma de oro de la Escritura de Parker Waterman. Otros * 1983: Nombrado Hijo Predilecto de Málaga. * 1993: Creación del Premio de Poesía Manuel Alcántara. * 1999: Nombrado Hijo Predilecto de la Provincia de Málaga. * 2000: Doctor honoris causa por la Universidad de Málaga, que crea el Premio de Periodismo Manuel Alcántara para periodistas jóvenes. * 2001: Medalla de Andalucía. * 2007: Se crea la Fundación Manuel Alcántara, institución cultural sin ánimo de lucro que tiene por misión, cuidar, promocionar, fomentar y compartir su pasión por la lectura y la escritura, la poesía y el periodismo. * 2009: La cantaora de flamenco Mayte Martín transforma en disco su espectáculo alCANTARa MANUEL con versos del poeta que José Luis Ortiz Nuevo le encargó musicar para homenajear al poeta en la bienal de flamenco de Málaga en 2007. * 2009:Premio MÁS, que otorga COPE MÁLAGA. * 2010: COPE MÁLAGA otorga a Manuel Alcántara la Biznaga de Plata; un galardón con el que esta emisora premia desde hace quince años, a personas e instituciones que contribuyen a trabajar por la feria de Málaga y difundir sus bondades. Referencias Wikipedia-http://es.wikipedia.org/wiki/Manuel_Alc%C3%A1ntara